La Villa de París – Robert Delaunay

villa de paris robert delaunay

Pintado en 1914, La Villa de París muestra de nuevo uno de los temas favoritos de Robert Delaunay, la ciudad de la luz y además muestra claramente una evolución en su estilo que pudimos observar en Torre Eiffel con Árboles, con una transición del cubismo hacia el movimiento Orfista.

Nos encontramos ante una obra construida a partir de formas simples y donde los colores vivos son los protagonistas de esta ciudad, París, muy importante para el artista a lo largo de toda su carrera. El pintor vuelve a utilizar la Torre Eiffel como representación de la ciudad, pero en esta ocasión no es la protagonista de la composición. De hecho, hace falta fijarse bien para apreciarla puesto que, siguiendo su faceta cubista, está deconstruida y sólo podemos observar una parte, en la parte derecha de la composición.

Lo que si podemos observar en primer plano son tres mujeres, las Tres Gracias, que son para el autor una representación de todas las bondades que ofrece la ciudad. El papel de París durante la primera guerra mundial y en relación a la victoria de las fuerzas aliadas fue clave. Por lo tanto, se especula que esta obra sea una de Delaunay de brindar esta victoria a su ciudad preferida. Además de un puente en la parte izquierda y una bandera francesa.

Aunque los colores no comparten la paleta con su época totalmente orfista, se puede ver una influencia importante de artistas como Georges Seurat, que utilizaba colores complementarios y con gran contraste en sus composiciones puntillistas. Aquí, de nuevo, los colores dominan sobre las formas, ese es el lenguaje que el artista utiliza y que domina a la perfección. Para él el color era la mayor expresión de arte que podía existir y todos los humanos son capaces de apreciarlo de manera natural.

 

¡Compártelo!

Sonidos del renacer de sueños de la infancia – Ibrahim El-Salahi

Sonidos del renacer de sueños de la niñez ibrahim el-salahi

Se trata de una pintura al óleo y esmalte sobre una tela tela de algodón tejida a mano en Sudán. Las dimensiones de la obra son destacables, 2588 x 2600 mm, y para ello se tuvieron que coser juntas tres piezas de tela. La división del lienzo permitió que otro artista importante sudanés, Hussein Shariffe, ayudará a El-Salahi durante la elaboración de la obra. El formato cuadrado, el uso de colores muy sobrios, los goteos y arrugas intencionados en partes de la obra son características compartidas por varias obras del mismo autor en este periodo. Fue pintada a caballo entre Khartoum y Nueva York entre los años 1961 y 1965.

En la obra Sonidos del renacer de sueños de la infancia aparecen cinco figuras con aspecto fantasmagórico, cabezas alargadas y ojos profundos que destacan sobre un fondo amarillento. Las cabezas de las figuras nos recuerdan a máscaras africanas, aunque la forma alargada con ojos negros y relucientes también se ha interpretado como la representación de los velos que las mujeres tenían que llegar en público en su país de origen.

La inspiración para Sonidos del renacer de sueños de la infancia de Ibrahim El-Salahi se puede encontrar en recuerdos de su infancia o en imágenes que el autor ha visualizado durante meditación. Momentos en los que memoria y sueños, pasado y presente se encuentran y generan imágenes que el autor cree necesarias plasmar. Visualmente, el autor también recoge influencias de la caligrafía arábica y de los espacios que se generan entre sus caracteres.

El Salahi es, sin duda, uno de los pioneros del arte moderno en África y una de las figuras clave en la escuela de Khartoum. Para ello aporta el desarrollo de un nuevo vocabulario visual con formas simples y líneas fuertes, colores sombríos y una gran inspiración en sus orígenes con formas e iconografía africana y arábica.

.

¡Compártelo!

Crucifixión – F.N Souza

crucifixion souzaFrancis Newton Souza, nacido en la colonia portuguesa de Goa y de padres indios, fue criado como un católico estricto. Esta pintura, Crucifixión, es una de las muchas obras del artista con temática religiosa. En contraste con muchas otras representaciones de la muerte de Jesucristo, en esta imagen esta llena de contrastes y no intenta transmitir una sensación de paz.

En ella se representa la imagen del hombre considerado el Hijo de Dios, pero éste ha sido azotado, flagelado,  humillado y gotea sangre. Está inspirada en una imagen que el propio autor visualizó cuando era joven en una de las escuelas católicas a las que acudía.

Es evidente que la representación de Jesucristo y las otras figuras que aparecen en Crucifixión en color negro se desvía de manera importante de los cánones clásicos occidentales. Sin embargo este estilo no es nuevo puesto que otros artistas contemporáneos a Souza habían hecho algo similar. Graham Sutherland y Francis Bacon son buenos ejemplos de la representación de sujetos religiosos a través de un estilo brutal y despiadado que en ningún momento pretende suavizar la crueldad inherente en la imagen.

La visión del artista de Dios se distancia así de la clásica figura llena de amor y dulzura y la sitúa más cercana a un ser lleno de sufrimiento, capaz de vengarse de sus enemigos y lleno de ira. Esto demuestra los conflictos internos del propio artista, tan influenciado por la vida religiosa desde su niñez. Para el la religión no es sinónimo de bien absoluto, sino que crea un mundo de tensión y conflicos. La forma de representar la figura de Jesucristo crucificado refleja sus sentimientos hacia estos conflictos religiosos, las disputas entre cristianos y no cristianos, las diferencias entre gente por su color de piel o entre sociedades colonizadas y sus colonizadores.

 

¡Compártelo!

Paisaje del norte de Nigeria – Uzo Egonu

pintura africana nigeriana paisaje uzo egonuA pesar de que los pintores europeos y americanos han sido lo más reconocidos dentro de la pintura moderna, también desde otros lugares encontramos artistas destacados. En este caso hablamos de Uzo Egonu, pintor de origen nigeriano que se instaló en Reino Unido en la década de los cuarenta. Con su obra Paisaje del norte de Nigeria nos enseña su visión personal de una parte de su país de origen.

Uno de los logros más importantes del pintor fue poner en el panorama internacional de la pintura al continente africano tal y como hace en la obra que comentamos en esta ocasión. Para ello se centra en los paisajes tanto rurales como urbanos a través de unas composiciones geométricas que son muy llamativas.

En Paisaje del norte de Nigeria se pueden ver entremezclados elementos tanto de la ciudad como de la naturaleza. Por un lado encontramos los edificios creados por el hombre, con unas formas muy características, y por otro lado encontramos elementos naturales como el agua o la vegetación. Los tonos de colores son ligeramente diferentes para ambos tipos de elementos, aunque sin duda es el color marrón el que domina toda la obra. Se trata de una composición algo menos geométrica que otras del mismo artista, aunque ya se puede predecir que la línea va a ser un elemento básico en la obra.

El cuadro en cuestión se encuentra actualmente en el museo Tate Modern de Londres, junto con otras obras de Uzo Egonu. Fue pintada en 1964, tiene unas dimensiones de 966 x 1528 mm y es un óleo sobre tabla.

¡Compártelo!

Los Pilares de la Sociedad – George Grosz

pilares de la sociedad george grosz

La pintura de hoy se llama Los Pilares de la Sociedad, completada en el año 1926 y se puede encontrar en la Nationalgalerie de Berlin. Se trata de un retrato sarcástico de las élites alemanas que apoyaban al fascismo. George Grosz participó voluntariamente en el servicio militar durante la I Guerra Mundial, aunque poco más tarde se unió al partido comunista. Finalmente decidió alejarse del fascismo que empezaba a calar hondo en Alemania y se mudó a Estados Unidos.

Como muchas de las obras del autor en esta época, satirizaba con lo que él creía era la sociedad burguesa corrupta de Alemania. El autor fue una figura muy importante en el movimiento conocido como Nueva Objetividad, especializado en representar la resignación y cinismo del periodo de la pos-guerra.

Quedan patentes las virtudes de George Grosz como caricaturista para producir un retrato grotesco, vívido y decadente de aquellos que controlan la sociedad. Hombres de negocios, clérigos y generales del ejército, todos ellos retratados no como pulcros y refinados caballeros sino como viciosos y egoístas individuos. Los que deberían ser los pilares de la sociedad vistos desde un punto de vista amargo y, a la vez, realista.

Si nos fijamos en los personajes retratados veremos que están llenos de detalles. En la parte delantera tenemos al viejo aristócrata bebiendo cerveza con su cabeza llena de pensamientos bélicos, su cicatriz y la esvástica en la corbata. Su monóculo no es opaco por casualidad. En la parte izquierda tenemos a un periodista, con una cazuela por sombrero que simboliza su falta de inteligencia. En la parte derecha encontramos a un socialista demócrata que destaca por tener su cabeza llena de excrementos. En el fondo tenemos a un clérigo pro-nazi que reza y predica la paz mientras ignora las acciones de los militares a sus espaldas.

¡Compártelo!

El bañista – Paul Cézanne

el bañista cezanne cezzane cezane

Aunque este cuadro sea menos conocido que otra obra de Paul Cézanne, Las grandes bañistas resulta mucho más enigmático y un ejemplo más concreto del estilo de la época.

Se trata de una combinación de pintura figurativa donde el bañista es el gran protagonista, pero con una postura y una expresión que lo hacen poco atractivo y llamativo a simple vista. Prácticamente podría difuminarse con el fondo y no nos daríamos cuenta. Queda claro que el protagonista no está disfrutando de este baño y parece tener la mente en otra parte, probablemente preocupado por algún asunto. La asimetría de su cuerpo es llamativa y contrasta enseguida con representaciones del cuerpo humano de épocas anteriores donde los artistas buscaban representar la perfección.

El paisaje es totalmente secundario en esta obra puesto que podría tratarse de cualquier otro lugar y el cuadro seguiría transmitiendo exactamente las mismas emociones. Los pocos elementos que aparecen hacen muy complicado hacerse una idea de dónde tiene lugar la acción de El Bañista. Es evidente que esta ambigüedad en el paisaje es algo totalmente buscado por el artista y que se corresponde más con las corrientes de finales del siglo XIX. Además ayuda a caracterizar al protagonista como un carácter ciertamente sombrío y que no destaca por transmitir una gran fuerza o pasión.

Como curiosidad, la obra está inspirada en una fotografía y no en una situación que Paul Cézanne hubiera experimentado en la vida real. Esta es una corriente que surgió en la época, precisamente a raíz del desarrollo de una técnica que hacía la fotografía más accesible a todo el mundo. Otros artistas harían uso de la misma algunos años más tarde, por ejemplo Picasso.

La obra se encuentra actualmente en el MoMa de Nueva York y se trata de un óleo en lienzo con un tamaño de 127 x 96.8 cm.

¡Compártelo!

La mesa de mármol rosa – Henry Matisse

la mesa de mármol rosa henri matisse

La mesa de mármol rosa (1916) es una de las obras menos conocidas pero a la vez más icónicas de Henry Matisse ya que es capaz de reunir varias de las características únicas de la pintura del autor. La representación de objetos cotidianos y el juego con la perspectiva son algunos rasgos que saltan a la vista desde un primer momento, pero una mirada algo más detallada nos permite conocer mucho mejor La mesa de mármol rosa y todo lo que representa.

La obra actualmente se encuentra en el MoMA, se trata de un óleo sobre lienzo con un tamaño considerable (146 x 97 cm) donde además de la mesa podemos encontrar elementos como el jardín de fondo, una cesta y tres manzanas. La obra fue importante para el propio autor puesto que aparece en una de sus obras posteriores, Las tres hermanas y la mesa de mármol rosa, donde el cuadro que nos ocupa está situado en el fondo, detrás de las tres hermanas protagonistas. El estilo de las dos obras es muy distinto, pero la mesa hace de nexo de unión de ambas.

Esta obra, además de ser un ejemplo del estilo de Matisse ha servido para conocer con algo más de detalla la técnica pictórica del autor. Elementos aparentemente sencillos como el cesto y las manzanas guardan tras de sí avanzadas técnicas de pintura que el autor preparaba meticulosamente en la capa de imprimación. Además, el color rosa de la mesa es en realidad mucho más intenso de lo que percibimos ya que queda enmascarado por los barnices posteriores. Sin embargo, se puede apreciar un cambio importante respecto a la etapa anterior del artista, el fauvismo, donde los tonos eran más estridentes y saturados. Esta combinación de tonos rosas, verdes y marrones es única en toda la obra de Matisse y en parte transmite la melancolía del artista en su etapa en París, antes de marchar a Niza para escapar de la Guerra Mundial.

¡Compártelo!

Dos Hermanas – John Graham

dos hermanas john grahamDos hermanas se trata de una de las obras más importantes del, injustamente, muchas veces desconocido pintor de origen ucraniano. El cuadro actualmente se encuentra en el MoMa, pero precisamente en estos momentos no está al acceso del público.

Todo el peso de la composición lo llevan las dos figuras femeninas, que por el título se puede deducir que son hermanas. Llaman la atención los ojos vizcos y el pecho descubierto de la mujer de la derecha, aunque al margen de eso ambas figuras presentan unos rasgos similares. Las dos mujeres están compuestas a partir de trozos que recuerdan a piezas maestras del renacimiento. Con sus vestidos especialmente embellecidos, la abundante joyería y sus poses formales. Todos estos detalles han sido tomado prestados de los retratos del renacimiento italiano tardío de nobles españoles.

Además de estas influencias del renacimiento, el cuadro fusiona diversos movimientos pictóricos a través de sus elementos.En contraste con estas figuras femeninas, se encuentra una perspectiva totalmente plana con una falta absoluta de profundidad en la pintura y unos colores poco realistas que beben del fauvismo. Especialmente los tonos rosados de su piel recuerdan a los colores usados por algunos artistas de la abstracción semifigurativa. Los planos geométricos fracturados en los que se sitúan las hermanas tienen una naturaleza puramente cubista. De manera similar, la yuxtaposición de objetos algo extraña concuerda con las directrices del surrealismo.

Los ojos vizcos de las dos hermanas son un tema recurrente en las pinturas de John Graham, que utiliza ese recurso para otorgar algo de vida a las caras que representa.

Pese a ser un pintor algo desconocido para muchos aficionados al arte, John Graham fue un importante impulsor de la pintura moderna y del arte figurativo que sirvió como mentor a grandes artistas de la talla de Jackson Pollock o Willem de Kooning.

¡Compártelo!

Cuadrado negro – Kazimir Malevich

black square malevich

Cuadrado negro fue pintado en 1915 por Kasimir Malevich, convirtiéndose probablemente en su obra más famosa. Fue expuesta por primera vez ese mismo año en La Última Exhibición Futurista 0.10. Hay cuatro variantes de la obra creadas por el pintor entre 1915 y 1930 y sin duda es una de las obras más polémicas en la historia de la pintura, tanto para críticos como para aficionados.

La obra es un óleo sobre lino que mide 79,5 cm x 79,5 cm y que representa literalmente un cuadrado negro sobre un fondo blanco. La obra, en palabras del artista, era “la cara del nuevo arte, el primer paso hacia la creación pura”. Malevich dio a este arte el nombre de suprematismo, anunciando unos años más tarde que “para los suprematistas, los fenómenos visuales del mundo objetivo son por sí mismos insignificantes y lo importante es el sentimiento”. Hasta el momento no había habido ningún intento de hacer pintura como tal, sin ningún atributo correspondiente a la vida real; la pintura era siempre la parte estética de algo pero nunca era un fin por sí misma.

Fiel a estos principios, Cuadrado negro es totalmente no figurativa. El bloque de pintura negra que domina el lienzo sirve como gran rechazo, repudiando la naturaleza en favor de la abstracción. Como tal, la pintura puede ser leída en términos de la teoría Kantiana de lo sublime. El tiempo, sin embargo, no ha sido benevolente con Cuadrado negro. En 1915, cuando la obra fue mostrada por primera vez, la superficie del cuadro era impoluta y pura; ahora la pintura negra se ha resquebrajado y se puede ver fácilmente el fondo blanco.

Cuadrado negro es considerada por muchos historiadores y críticos como una de las mayores referencias pictóricas en el arte moderno, en el arte abstracto y en la pintura occidental en general. Cuando se expuso por primera vez, el mundo occidental y Rusia en particular estaban en plena decadencia. Había estallado la Primera Guerra Mundial, después de la Revolución Rusa que iba a desencadenar en la Revolución de Octubre. Cuadrado negro llegó justo cuando los aficionados al arte, a pesar de haber visto obras cubistas y futuristas, todavía no habían visto nada como esto. La revolución artística que Malevich estaba trayendo estaba totlmente ligada a la revolución social del momento y aunque la obra nunca quiso ser la representación de algo real, sí que fue un símbolo del fin de una era.

¡Compártelo!

El carnaval de Arlequín – Joan Miró

arlequin joan miro

El carnaval de Arlequín es una obra de Joan Miró pintada entre 1924 y 1925. Es una de las pinturas principales de la época surrealista del pintor y actualmente forma parte de la colección Allbright-Knox Art Gallery en Estados Unidos.

Los personajes centrales de la obra son por un lado un robot que toca la guitarra y por el otro un arlequín que destaca por el tamaño de sus bigotes. Además, extendiéndose por toda la pintura se pueden encontrar varios detalles basados en la imaginación como un pájaro azul escapando de un huevo, unos gatos jugando con ovillos de lana, insectos, peces, una escalera con una gran oreja colorida incrustada o una ventana a través de la cual se puede ver un paisaje. La mayoría de elementos que aparecen flotando por la habitación tienen un significado para el artista. Por ejemplo la escalera significa para él una vía de escape, el triángulo negro que se puede ver por la ventana representa la Torre Eiffel y la esfera verde que recuerda al globo terráqueo simboliza sus ganas de conquistar el mundo.

En El carnaval de Arlequín se entremezclan los elementos simbólicos con los demás objetos de la habitación consiguiendo la expresión artística típica del surrealismo. La realidad representada se debe tomar como el resultado del subconsciente y su forma peculiar de percibir y reaccionar ante los estímulos externos.

El carnaval de Arlequín está fuertemente inspirado en el surrealismo, aunque esta influencia se hace más notoria en el tema tratado en el cuadro que en la técnica utilizada para pintarlo. A pesar de parecer una creación espontánea, la obra está precedida por varios bocetos y proyecciones de la estructura global. Estos trabajos previos muestran que el azar aparente característico de la obra en realidad resulta de una composición estudiada y precisa.

El carnaval de Arlequín obtuvo un gran éxito en la exposición de pintura surrealista realizada en la Galeria Pierre de París en 1925. De hecho esta obra se considera el inicio de la plenitud surrealista de Joan Miró. Según las palabras del pintor, que pasó por momentos de gran penuria en la época, trataba de plasmar las alucinaciones que la falta de comida le producía.

¡Compártelo!