El bañista – Paul Cézanne

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Aunque este cuadro sea menos conocido que otra obra de Paul Cézanne, Las grandes bañistas resulta mucho más enigmático y un ejemplo más concreto del estilo de la época.

Se trata de una combinación de pintura figurativa donde el bañista es el gran protagonista, pero con una postura y una expresión que lo hacen poco atractivo y llamativo a simple vista. Prácticamente podría difuminarse con el fondo y no nos daríamos cuenta. Queda claro que el protagonista no está disfrutando de este baño y parece tener la mente en otra parte, probablemente preocupado por algún asunto. La asimetría de su cuerpo es llamativa y contrasta enseguida con representaciones del cuerpo humano de épocas anteriores donde los artistas buscaban representar la perfección.

El paisaje es totalmente secundario en esta obra puesto que podría tratarse de cualquier otro lugar y el cuadro seguiría transmitiendo exactamente las mismas emociones. Los pocos elementos que aparecen hacen muy complicado hacerse una idea de dónde tiene lugar la acción de El Bañista. Es evidente que esta ambigüedad en el paisaje es algo totalmente buscado por el artista y que se corresponde más con las corrientes de finales del siglo XIX. Además ayuda a caracterizar al protagonista como un carácter ciertamente sombrío y que no destaca por transmitir una gran fuerza o pasión.

Como curiosidad, la obra está inspirada en una fotografía y no en una situación que Paul Cézanne hubiera experimentado en la vida real. Esta es una corriente que surgió en la época, precisamente a raíz del desarrollo de una técnica que hacía la fotografía más accesible a todo el mundo. Otros artistas harían uso de la misma algunos años más tarde, por ejemplo Picasso.

La obra se encuentra actualmente en el MoMa de Nueva York y se trata de un óleo en lienzo con un tamaño de 127 x 96.8 cm.

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Dos Hermanas – John Graham

dos hermanas john grahamDos hermanas se trata de una de las obras más importantes del, injustamente, muchas veces desconocido pintor de origen ucraniano. El cuadro actualmente se encuentra en el MoMa, pero precisamente en estos momentos no está al acceso del público.

Todo el peso de la composición lo llevan las dos figuras femeninas, que por el título se puede deducir que son hermanas. Llaman la atención los ojos vizcos y el pecho descubierto de la mujer de la derecha, aunque al margen de eso ambas figuras presentan unos rasgos similares. Las dos mujeres están compuestas a partir de trozos que recuerdan a piezas maestras del renacimiento. Con sus vestidos especialmente embellecidos, la abundante joyería y sus poses formales. Todos estos detalles han sido tomado prestados de los retratos del renacimiento italiano tardío de nobles españoles.

Además de estas influencias del renacimiento, el cuadro fusiona diversos movimientos pictóricos a través de sus elementos.En contraste con estas figuras femeninas, se encuentra una perspectiva totalmente plana con una falta absoluta de profundidad en la pintura y unos colores poco realistas que beben del fauvismo. Especialmente los tonos rosados de su piel recuerdan a los colores usados por algunos artistas de la abstracción semifigurativa. Los planos geométricos fracturados en los que se sitúan las hermanas tienen una naturaleza puramente cubista. De manera similar, la yuxtaposición de objetos algo extraña concuerda con las directrices del surrealismo.

Los ojos vizcos de las dos hermanas son un tema recurrente en las pinturas de John Graham, que utiliza ese recurso para otorgar algo de vida a las caras que representa.

Pese a ser un pintor algo desconocido para muchos aficionados al arte, John Graham fue un importante impulsor de la pintura moderna y del arte figurativo que sirvió como mentor a grandes artistas de la talla de Jackson Pollock o Willem de Kooning.

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Cuadrado negro – Kazimir Malevich

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Cuadrado negro fue pintado en 1915 por Kasimir Malevich, convirtiéndose probablemente en su obra más famosa. Fue expuesta por primera vez ese mismo año en La Última Exhibición Futurista 0.10. Hay cuatro variantes de la obra creadas por el pintor entre 1915 y 1930 y sin duda es una de las obras más polémicas en la historia de la pintura, tanto para críticos como para aficionados.

La obra es un óleo sobre lino que mide 79,5 cm x 79,5 cm y que representa literalmente un cuadrado negro sobre un fondo blanco. La obra, en palabras del artista, era “la cara del nuevo arte, el primer paso hacia la creación pura”. Malevich dio a este arte el nombre de suprematismo, anunciando unos años más tarde que “para los suprematistas, los fenómenos visuales del mundo objetivo son por sí mismos insignificantes y lo importante es el sentimiento”. Hasta el momento no había habido ningún intento de hacer pintura como tal, sin ningún atributo correspondiente a la vida real; la pintura era siempre la parte estética de algo pero nunca era un fin por sí misma.

Fiel a estos principios, Cuadrado negro es totalmente no figurativa. El bloque de pintura negra que domina el lienzo sirve como gran rechazo, repudiando la naturaleza en favor de la abstracción. Como tal, la pintura puede ser leída en términos de la teoría Kantiana de lo sublime. El tiempo, sin embargo, no ha sido benevolente con Cuadrado negro. En 1915, cuando la obra fue mostrada por primera vez, la superficie del cuadro era impoluta y pura; ahora la pintura negra se ha resquebrajado y se puede ver fácilmente el fondo blanco.

Cuadrado negro es considerada por muchos historiadores y críticos como una de las mayores referencias pictóricas en el arte moderno, en el arte abstracto y en la pintura occidental en general. Cuando se expuso por primera vez, el mundo occidental y Rusia en particular estaban en plena decadencia. Había estallado la Primera Guerra Mundial, después de la Revolución Rusa que iba a desencadenar en la Revolución de Octubre. Cuadrado negro llegó justo cuando los aficionados al arte, a pesar de haber visto obras cubistas y futuristas, todavía no habían visto nada como esto. La revolución artística que Malevich estaba trayendo estaba totlmente ligada a la revolución social del momento y aunque la obra nunca quiso ser la representación de algo real, sí que fue un símbolo del fin de una era.

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El carnaval de Arlequín – Joan Miró

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El carnaval de Arlequín es una obra de Joan Miró pintada entre 1924 y 1925. Es una de las pinturas principales de la época surrealista del pintor y actualmente forma parte de la colección Allbright-Knox Art Gallery en Estados Unidos.

Los personajes centrales de la obra son por un lado un robot que toca la guitarra y por el otro un arlequín que destaca por el tamaño de sus bigotes. Además, extendiéndose por toda la pintura se pueden encontrar varios detalles basados en la imaginación como un pájaro azul escapando de un huevo, unos gatos jugando con ovillos de lana, insectos, peces, una escalera con una gran oreja colorida incrustada o una ventana a través de la cual se puede ver un paisaje. La mayoría de elementos que aparecen flotando por la habitación tienen un significado para el artista. Por ejemplo la escalera significa para él una vía de escape, el triángulo negro que se puede ver por la ventana representa la Torre Eiffel y la esfera verde que recuerda al globo terráqueo simboliza sus ganas de conquistar el mundo.

En El carnaval de Arlequín se entremezclan los elementos simbólicos con los demás objetos de la habitación consiguiendo la expresión artística típica del surrealismo. La realidad representada se debe tomar como el resultado del subconsciente y su forma peculiar de percibir y reaccionar ante los estímulos externos.

El carnaval de Arlequín está fuertemente inspirado en el surrealismo, aunque esta influencia se hace más notoria en el tema tratado en el cuadro que en la técnica utilizada para pintarlo. A pesar de parecer una creación espontánea, la obra está precedida por varios bocetos y proyecciones de la estructura global. Estos trabajos previos muestran que el azar aparente característico de la obra en realidad resulta de una composición estudiada y precisa.

El carnaval de Arlequín obtuvo un gran éxito en la exposición de pintura surrealista realizada en la Galeria Pierre de París en 1925. De hecho esta obra se considera el inicio de la plenitud surrealista de Joan Miró. Según las palabras del pintor, que pasó por momentos de gran penuria en la época, trataba de plasmar las alucinaciones que la falta de comida le producía.

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Mujer VI – Willem de Kooning

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Mujer VI forma parte de una serie de pinturas abstractas, Mujer, obra de Willem de Kooning en 1953. La última pieza de esa serie es Mujer VI y se puede encontrar en el Museo de Arte Carnegie desde 1955. Esta pintura es un buen ejemplo de la transición del arte contemporáneo desde la pintura europea tradicional hacia el expresionismo abstracto. Mujer VI es una obra de arte irremplazable en la abstracción de posguerra por su forma abstracta, el trabajo y técnicas de pincel usados y porque todavía tiene la habilidad de evocar una interpretación diferente con cada vistazo que se da a la obra.

En Mujer VI, la figura de una mujer está de pie en el centro del cuadro ocupando dos tercios de la superficie de la pintura. Diversos elementos del expresionismo abstracto destacan en esta pintura, tales como la composición, el espacio, la línea y el color.

La combinación de figuras geométricas como triángulos, cuadrados y círculos consigue construir una figura femenina con gran poder dramático. La cabeza incluye dos círculos como ojos. El cuerpo está formado por formas irregulares en  pecho y brazos que además están divididos en dos partes. La mujer no presenta manos o pies y de hecho la pintura acaba a la altura de las rodillas. Las figuras geométricas también forman el fondo y consiguen generar una tensión de oposición y armonía que producen una sensación de equilibrio en Mujer VI.

No es una composición simétrica, pero a pesar de eso todo parece balanceado. La figura principal está situada en el eje vertical mientras que el eje horizontal atraviesa su abdomen. Destaca la bidimensionalidad del cuadro ya que no hay sensación de profundidad y toda la pintura es en la superficie.

La innovación en las pinceladas hizo que Mujer VI destacara sobre los otros cuadros de la serie. Además, el efecto de los materiales, que son óleo en lienzo, muestra  el largo tiempo de producción de la obra.  Mujer VI es una pintura a gran escala y el óleo permite al artista tener más tiempo para acabarlo debido a su lento tiempo de secado.

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Ubu imperator – Max Ernst

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Ubu imperator es una obra pintada por Max Ernst en 1923.  A pesar de su tamaño relativamente pequeño, 100 x 81 cm, el lienzo fácilmente golpea al espectador con la pregunta de cuál es el significado de la obra. En el centro de la misma hay una figura con forma de torre y con sus manos hacia arriba. Lo que sorprende es que aunque la torre está inclinada, la base de la misma está recta e inmóvil. El autor podría estar representando en Ubu imperator que la igualdad puede ser un resultado de la desigualdad misma. La parte superior de la torre está inclinada como la Torre de Pisa en Italia, lo que podría dar un significado a la misma de antigüedad y construida  sin planificación. También puede recordar a la Torre de Babel, mencionada en el Libro del Génesis y que fue reconstruida en la era babilónica después de la Gran Inundación.

Siguiendo esta conexión con la Torre de Babel y la Gran Inundación, la parte inferior del fondo de Ubu imperator es un desierto totalmente seco, lo que se puede considerar una contraposición a una inundación. Este desierto puede aportar significado de condiciones adversas para la vida y las barreras entre la amabilidad de la gente hacia los demás. Fijado boca abajo en el desierto encontramos un gancho y aunque parece no estar profundamente incrustado, el gancho permanece recto y estable contra la gravedad. Otros dos ganchos se desvanecen hacia un punto fijado en la parte izquierda del horizonte.

En el primer plano de Ubu imperator, en la torre, se pueden ver dos manos con las palmas dirigidas hacia el cuerpo de la torre.  Ambas están pintadas de una forma que recuerda a una forma de plegaria abierta, casi imitando a Jesús en varias pinturas medievales y del renacimiento. La torre puede tener carácter religioso y el autor podría estar enseñando la gran fuerza que ha tenido la Iglesia Católica en la historia. La inclinación de la torre hacia el cielo podría ser otra indicación de que se dirige hacia su creador para que la salve de las dificultades del desierto que la envuelve.

Enrollado alrededor de la torre con la forma de una bufanda, se encuentra algún tipo de tela verde. Apenas colgando de la torre, la bufanda podría representar la naturaleza y su necesidad en el mundo en el que vivimos. Con la bufanda a punto de caer a la tierra árida se evoca la capacidad que podemos tener de perder el contacto con la naturaleza y en una perspectiva contraria se podría ver a la torre como el guardián que mantiene la naturaleza.

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Tres mujeres – Fernand Leger

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Tres mujeres de Fernand Leger fue pintado en 1921. La pintura muestra tres mujeres desnudas con ciertos detalles de sus cuerpos aumentados y en una habitación muy decorativa y organizada. El pintor da a las mujeres retratadas una forma similar a máquinas para representar cómo la vida se puede volver simplística y no-emocional como un robot.

Durante la Primera Guerra Mundial Fernand Leger quiso hacer su arte más accesible a las clases trabajadoras. La transición fue conocida como su periodo mecánico que se concentró en la industrializacioón. Algunos describen este periodo del pintor como la representación de la belleza de la vida urbana retratando humanos como figuras geométricas y mecanizadas integradas con los igualmente geométricos y mecanizados ambientes.

Los objetos más destacables de Tres mujeres son, evidentemente, las tres protagonistas que aparecen tomando una bebida caliente. Las dos que están estiradas son grises y la que está sentada en marrón. Los objetos y diseños que rodean a las mujeres tienen un patrón vertical. El pintor no remarca el contorno de los objetos, pero usa las sombras para ayudar a definir las curvaturas de la mesa, el sofá y las partes del cuerpo de las mujeres.  Los cuerpos de las mujeres tienen una apariencia rígida y sus pieles son muy claras. Además, destacan las hinchadas piernas y brazos que parecen distorsionados en comparación con sus caras. Probablemente este hecho es para brindarles una figura más masculina y representarlas como no bellas para evitar que sus cuerpos centren la atención en detrimento de sus caras y del fondo. Las caras de Tres Mujeres destacan porque no muestran ninguna emoción mientras beben el té y café en su apartamento.

El uso de estas mujeres no emocionales sirve para describir la nueva innovación basada en máquinas y cómo éstas no son capaces de expresar sentimientos, mientras que en la pintura los objetos adquieren gran importancia por sus detalles. Los colores de estos son vibrantes y de todo tipo de diseños y representan el nuevo estilo de vida.

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Nighthawks – Edward Hopper

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Nighthawks es un óleo sobre lienzo del pintor americano Edward Hopper que retrata a un grupo de personas en una cafetería del centro de una ciudad de noche. Pintado en 1942, es el cuadro más famoso de Hopper y una de las obras más reconocibles del arte estadounidense.

La perspectiva del Nighthawks es uno de los aspectos más destacables de la obra. El autor decidió pintar una escena localizada en una esquina puntiaguda y no en una de las típicas intersecciones neoyorquinas que forman un ángulo recto. Esta elección le permitió mostrar a sus sujetos desde un punto de vista casi frontal a la vez que podía enseñar la escasamente iluminada calle de detrás de la escena. Hopper a menudo pintaba escenas en las cuales parte exterior de la misma se pueden ver a través de dos paneles de cristal. En Nighthawks esta parte del cuadro llena el centro de la pintura

En cuanto al color, fuera de la cafetería destacan los colores apagados como sería esperable en la noche. En el interior la vestimenta de los sujetos marca los tonos y delimita las zonas de color claramente diferenciadas. Por un lado, los dos hombres más a la izquierda con sus trajes oscuros y por el otro el camarero con su traje blanco y la mujer vestida de rojo. De hecho el vestido y pintalabios de la mujer son los únicos representantes del color rojo en toda la pintura.

Los efectos de la luz en los objetos siempre fueron de interés para el artista, incluyendo la luz solar durante el día pero también la luz artificial durante la noche. Nighthawks es probablemente el intento más ambicioso de capturar esta luz creada por el hombre durante la noche. La luz en la pintura proviene en su totalidad del interior de la cafetería y desde más de una bombilla, causando sombras diferentes y resultando en algunos puntos más claros que otros según su ángulo. La luz interior provoca que algunas superficies sean reflectantes (por ejemplo el margen derecho de la ventana del fondo que refleja una línea amarilla), siendo este reflejo imposible de ver a la luz del día.  En la calle y en las ventanas se refleja la sombra causada por el límite superior de la cafetería. Además, estas ventanas también están iluminadas parcialmente por una luz de la calle (no visible en el cuadro) que proyecta sus propias sombras.

Algunas de las inspiraciones usadas por el artista para realizer Nighthawks podrían ser Night Café de Van Gogh, ya que las luces y temas de la obra son parecidos. También es probable, como el artista ha reconocido, que se inspirara en la historia corta de Ernest Hemmingway, The Killers.

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Autorretrato con collar de espinas – Frida Kahlo

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Autorretrato con collar de espinas es una obra de Frida Kahlo pintada en 1940 donde aparece ella misma en pose frontal con una corona de Cristo desenmarañada y llevada como un collar, representándose a sí misma como una mártir cristiana. Las espinas adentrándose en su cuello y provocándole un sangrado son el símbolo de la pena que ella sufre debido a su divorcio con Diego Rivera. La expresión de la artista en el cuadro es de calma y solemnidad, mostrando que es capaz de soportar la pena sin alterarse.

Colgando desde el collar espinoso hay un colibrí cuyas alas desplegadas recuerdan a las cejas unidas de Frida. En la tradición mexicana, los colibrís son usados como amuletos que traen suerte en el amor. Además, normalmente están relacionados con la libertad y la vida debido a sus colores y que siempre están merodeando sobre flores. Sin embargo, en este cuadro el colibrí es negro y sin vida, pudiendo ser una metáfora del estado de la autora o usado como alegoría a una posible recuperación y a sus propios deseos de conseguir una mejor suerte después de su divorcio.

Sobre su hombro izquierdo se sitúa un gato negro, símbolo de mala suerte y de muerte que parece a la espera de atacar al colibrí. Sobre su hombro derecho está su mono mascota, símbolo del demonio y un regalo de su exmarido Diego. Es este mono, además, el que parece estar confeccionando el collar de espinas y consecuentemente la causa de la pena de Frida.  Alrededor de su pelo las mariposas simbolizan la resurrección. En el fondo, como es habitual en varias de sus pinturas, aparece un muro de grandes hojas de plantas tropicales.

Autorretrato con collar de espinas es un gran ejemplo del gran simbolismo usado por Frida Kahlo en muchas de sus obras, donde ella no está representando una escena real sino usando estos elementos simbólicos para expresar sus sentimientos.

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El gran masturbador – Salvador Dalí

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El gran masturbador es una de las obras más famosas de Salvador Dalí y es un óleo sobre lienzo de estilo surrealista pintado en 1929. Actualmente se puede visitar en el Museo reino Sofía en Madrid.

El centro de El gran masturbador tiene una cara distorsionada y de perfil  mirando hacia abajo basada en la forma de una roca natural que se puede encontrar en el Cap de Creus, en la Costa Brava de Cataluña. Este perfil aparece en otras pinturas de Dalí como la también célebre La persistencia de la memoria. Del final de la cabeza surge una figura femenina desnuda; algunas interpretaciones  hablan de la figura de Gala, la por aquel entonces nueva musa del pintor. La boca de la mujer está situada justo al lado de lo que parecen unos genitales masculinos, sugiriendo una felación. La figura masculina solo aparece de cintura para abajo y presenta cortes sangrantes en las rodillas.

En la boca de la gran cabeza hay un saltamontes, un insecto al cual el pintor había hecho referencia en varios de sus escritos. Además, una plaga de hormigas se sitúa sobre el abdomen de dicho saltamontes, siendo este un motivo habitual de representación de ansiedad sexual para el autor. En la parte baja del paisaje se pueden apreciar tres figuras, siendo dos de ellas muy cercanas y proyectando una sola sombra mientras la otra es más lejana.

El gran masturbador representa varios de las actitudes contradictorias de Dalí hacia las relaciones sexuales, que fueron una de sus mayores obsesiones en vida. Durante la juventud del artista, su padre le dejó un libro con fotos explícitas de gente sufriendo diversas enfermedades venéreas para educarle provocando en el joven una fascinación y horror que acompañaron a Dalí durante su vida adulta. Además, en palabras del autor, este cuadro era un homenaje a uno de los acantilados de su querida tierra, el Empordá.

Se han realizado también algunas comparaciones entre esta obra y El jardín de las ocho delicias de El Bosco, donde una imagen compuesta por diversas rocas, arbustos y pequeños animales recuerda a la cara con una prominente nariz y largas pestañas que aparece en El gran masturbador.

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