Composición VII – Vasili Kandinski

composición VII kandinsky

Composición VII es para muchos considerado la obra maestra de Vassili Kandinski debido a su gran tamaño, la cantidad de trabajo preparatorio, complejidad  de temas e implicación subjetiva.  La realización de la pintura duró estrictamente 3 días, entre el 25 y el 28 de noviembre de 1913, pero la preparación previa es digna de reconocer.

Para la preparación de Composición VII se conoce la existencia de más de 15 versiones del mismo en diferentes materiales como pinturas en cristal, dibujos, acuarelas, tallados y óleos. Existen también más de treinta dibujos y acuarelas hechas, algunos de ellos detallados estudios que recuerdan a pinturas de los maestros Caravaggio o Leonardo da Vinci con minucionsas representaciones de pliegues, follaje y extremidades del cuerpo humano. Hay hojas donde se repiten de manera invariable una sola línea curva, otras muestran esquemas de los elementos estructurales de la composición y otros contienen planes detallados para la preparación del lienzo. Hay, además, almenos diez estudios realizados en óleo relacionados con Composición VII.

Esta pintura encarna las complejas filosóficas y pictóricas ideas de la época. Aunque la pintura es totalmente no figurativa, las fotografías realizadas durante su creación y los estudios previos y algunos escritos del autor sugieren temas apocalípticos tales como devastación, el juicio final, la resurrección y el paraíso. En Composición VII se pueden detectar algunos motivos reconocibles como la barca y los remos en el rincón inferior izquierdo, pero Kandinsky deliberadamente tapó estos elementos externos y representativos en favor de un significado interno espiritual.

La sinestesia sufrida por Kandinsky toma probablemente el mayor grado de representación en esta obra, donde los colores transmiten cierta musicalidad. Curiosamente, el artista era un gran amigo del compositor Arnold Schönberg. Otros estudios hablan sobre una posible inspiración en la música de Richard Wagner en cuanto a los motivos apocalípticos presentes en Composición VII.

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Torre Eiffel con árboles – Robert Delaunay

torre eiffel con arbolesAl igual que para muchas figuras artísticas de la época, la Torre se convirtió en un símbolo de modernidad para Robert Dalaunay haciéndola el tema central de más de 30 de sus pinturas a lo largo de una década.

En el caso de Torre Eiffel con árboles, el autor hace una representación dinámica de la misma contraponiéndose a otras pinturas anteriores que se caracterizaban por una paleta limitada y formas  geométricas. El autor muestra la Torre desde diversos puntos de vista a la vez, sugiriendo el movimiento de los ojos a través del espacio y el tiempo.  Retrata la moción con la que los ojos siguen la trayectoria de la estructura desde el cielo hasta la base. Estos efectos ópticos son incluso más aparentes algunos trabajos posteriores del autor, tales como la serie de Ventanas que le condujeron a un nivel de abstracción más elevado. Al introducir el concepto del tiempo el artista es capaz de sintetizar varias impresiones de la torre, capturando la experiencia perceptual de la misma. Torre Eiffel con árboles fue pintado cuando el artista estaba lejos de París, así que tuvo que trabajar de memoria.

La obra Torre Eiffel con árboles marca el inicio de la fase que exactamente el mismo Delaunay califica como “destructiva”: la manera sólida de sus obras precedentes se vuelve fragmentaria y empieza a desintegrarse. Delaunay eligió un tema que le dejaba entregar rienda suelta a su predilección por la sensación de extensos espacios, atmósfera y luz, mientras que evocaba un símbolo de modernidad y progreso. Los logros de Delaunay en materia de estilo son representativos de un nuevo siglo, y de su giro cara la urbanización.

Muchas de las imágenes de Delaunay son perspectivas desde una ventana enmarcada por cortinas. En Torre Eiffel con árboles, las construcciones que rodean la torre se encorvan como cortinajes. La perspectiva de la ventana deja a la serie de la Torre Eiffel combinar el ambiente del exterior con el interior, y nos recuerda la ideatradicional, propia del Romanticismo, de la ventana abierta.

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Las señoritas de aviñón – Pablo Picasso

las señoritas de aviñón

Las señoritas de Aviñón es una pintura al óleo de Pablo Picasso pintada en 1907. La obra retrata a cinco prostitutas desnudas en un burdel de una calle de Barcelona. Cada una de ellas está pintada de una forma confrontacional y desconcertante sin ser ninguna de ellas típicamente femenina. Las tres mujeres de la izquierda presentan tratos faciales del típico estilo ibérico de Picasso, mientras que las dos de la derecha tienen una faz similar a máscaras africanas.

Muchas veces se considera Las señoritas de Aviñón como el primer cuadro cubista, aunque algunos expertos lo consideran una exageración; el estilo de la pintura no se puede considerar todavía cubista, de hecho incluye elementos expresionistas contrarios al cubismo, aunque sí es acertado tomarlo como su punto de partida.

Probablemente debido a la cantidad de arte provocativo que existe en la actualidad es difícil valorar correctamente la brutalidad que supuso Las señoritas de Aviñón en su momento. El hecho de pintar mujeres sin ningún tipo de encanto o tristeza, sin ironía o crítica social, simplemente como si fueran los troncos de una empalizada. Igualmente, el método de pintura y el desencajamiento de las figuras apuntan simpleza y agresividad emocional sin preocuparse de la estética.

Las influencias de esta obra han sido ampliamente estudiadas. Por un lado, El Greco era uno de los artistas más admirados por Picasso en la época en que pintó Las señoritas de Aviñón. Concretamente, el cuadro Visión del Apocalipsis le sirvió de inspiración para el tamaño, forma y composición de esta obra. También Paul Gauguin y Paul Cézanne influyeron en Picasso a la hora del nacimiento del cubismo, especialmente en 1906 y 1907. Las exploraciones en la simplificación geométrica de Cézanne y el interés por el primitivismo y el arte africano de Gauguin fueron clave para la creación de Las señoritas de Aviñón.

Aunque la obra ha tenido una enorme y profunda influencia en el arte moderno, este impacto no fue inmediato ya que la pintura estuvo durante muchos años en el estudio de Picasso. Al principio sólo su círculo de amigos y artistas más cercanos eran conscientes de su existencia y las opiniones al respecto eran muy variadas, algunos se mostraban sorprendidos y disgustados mientras que otros estuvieron entusiasmados. Las señoritas de Aviñón fue exhibida por primera vez en 1916 y reconocida como un logro revolucionario alrededor de 1920.

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La noche estrellada – Van Gogh

cuadro van gogh

La noche estrellada es una pintura al óleo, obra del famosísimo pintor Vincent Van Gogh, considerada por muchos su mejor obra y sin duda una de las más conocidas. La obra fue pintada en 1889 y  muestra la vista exterior que el autor podía observar desde la ventana de su habitación en el sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence donde estuvo recluido los últimos años de su vida. Actualmente se puede encontrar en el Museum of Modern Art of New York (MoMa).

Aunque la pintura representa la noche, fue pintada por el autor durante el día y en su estudio, ya que no tenía permitido pintar en su habitación del sanatorio.  Sin embargo sí podía hacer bocetos en tinta o carboncillo. De hecho esa misma vista fue pintada 21 veces por el pintor representando diferentes partes del día y varias condiciones meteorológicas.

A pesar del reconocimiento actual de la obra, el autor no estaba en absoluto orgulloso de ella y en algunas cartas hacía referencia a ella como un fracaso. En otra misiva hablaba sobre dejarse llevar por la abstracción como le ocurrió en las estrellas representadas en forma de remolinos como ocurre en La noche estrellada y de la equivocación que esta aproximación a la pintura le parecía.

Las interpretaciones de los elementos de La noche estrellada han sido muchas y variadas a lo largo de la historia. En el cielo estrellado se han identificado Venus o incluso la constelación Aries, galaxias en forma de espiral o cometas. El pueblo normalmente se identifica como una recolección de la ciudad natal de Van Gogh o como el pueblo de Saint-Rémy aunque en ambos casos fue una adición del autor a la vista desde su ventana. Los cipreses y su significado ligado a la muerte también han generado mucho debate, aunque algunas cartas del autor apuntan a un interés en ellos más formal que simbólico.

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El Guernica y la República

El Guernica de Picasso destaca por muchas cosas y aparte de su valor artístico, es una de las obras de arte moderno de la que se pueden hacer  más interpretaciones. Siempre se le ha dado una connotación política y reivindicativa respecto a la guerra, aunque nunca ha quedado claro. A esto siempre ha ayudado el hecho de que el propio artista nunca haya sido muy explícito en lo que el cuadro significaba. Probablemente los elementos individuales del cuadro quedarán sin descifrar después de la muerte del artista, pero hay algunos elementos que han tenido una interpretación bastante polémica y aquí vamos a discutir la interpretación que se ha hecho de uno de ellos: la mujer del quinqué como representación de la República.

Picasso y la política

Antes de que cunda el pánico, vamos a intentar situar el contexto para ver de dónde sale esa idea. Para empezar, está claro Picasso tenía unas ideas políticas bastante definidas en la época en la que pintó el Guernica. Por un lado, el cuadro fue solicitado en 1937 por el gobierno de Juan Negrín, último presidente de la II República. Y aunque el artista al principio no estaba dispuesto a usar sus obras con fines propagandísticos, finalmente accedió a ello. Ese mismo año Picasso había realizado su obra “Sueños y mentiras de Franco”, que eran dos grabados similares a cómics donde caricaturizaba al general Franco y denunciaba su golpe de Estado.

Además de esto, hay varios acontecimientos durante la vida del artista que confirman las ideas políticas de Picasso. Por un lado, unas declaraciones del propio artista mientras pintaba el Guernica donde dijo “En mis obras recientes expreso mi execración de la casta que ha hundido a España en un océano de dolor y de muerte” haciendo referencia al golpe de Estado y a la consecuente guerra. En otra ocasión, estando en París, unos agentes alemanes interesados en el Guernica le preguntaron: “¿Lo hizo usted?”, a lo que él contestó: “No…usted.” En algunos bocetos del Guernica aparecen, además, algunos símbolos políticos como la hoz y el martillo que luego serían desechados para la obra final.

Guernica y República y Guernika

Poco después de la creación del cuadro y una vez finalizada la Exposición Internacional de 1937 para el cual había sido encargado el Guernica, la obra viajó a los Estados Unidos y se instaló en el MoMa en 1942. En los años 60 Franco inició los trámites para que volviera la obra a España, pero el propio pintor se negaba a ello y años más tarde, escribió directamente al museo pidiendo que no se devolviera el cuadro hasta que se reinstauraran las libertades públicas. Esto acompañado con su frase “El Guernica solamente volverá a España con la República” dejaban clara la postura del pintor frente a la dictadura.

El Guernica y la república

Teniendo en cuenta todos estos datos, queda claro que Picasso era democrático y pacifista; como hasta el momento la mayor forma de democracia se había visto durante la II República, no es de extrañar que la defendiera. Y entonces desde aquí, ¿cómo se puede llegar a decir que la mujer del quinqué representa a la República? En primer lugar hay que analizar la luz de la obra. Se contraponen dos elementos muy cercanos pero muy diferentes, por un lado la bombilla o luz artificial y el quinqué o la vela que lleva la mujer. De estos dos elementos el único que ilumina realmente es el segundo, ya que la bombilla aunque parece brillar no aporta luz a las figuras del cuadro. Además, esta luz ocupa la parte principal del cuadro, siendo el vértice superior del triángulo central. Se puede decir que esta luz, o la República, es la única que puede iluminar el camino de la gente que ha sufrido los estragos de la guerra.

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