Ubu imperator – Max Ernst

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Ubu imperator es una obra pintada por Max Ernst en 1923.  A pesar de su tamaño relativamente pequeño, 100 x 81 cm, el lienzo fácilmente golpea al espectador con la pregunta de cuál es el significado de la obra. En el centro de la misma hay una figura con forma de torre y con sus manos hacia arriba. Lo que sorprende es que aunque la torre está inclinada, la base de la misma está recta e inmóvil. El autor podría estar representando en Ubu imperator que la igualdad puede ser un resultado de la desigualdad misma. La parte superior de la torre está inclinada como la Torre de Pisa en Italia, lo que podría dar un significado a la misma de antigüedad y construida  sin planificación. También puede recordar a la Torre de Babel, mencionada en el Libro del Génesis y que fue reconstruida en la era babilónica después de la Gran Inundación.

Siguiendo esta conexión con la Torre de Babel y la Gran Inundación, la parte inferior del fondo de Ubu imperator es un desierto totalmente seco, lo que se puede considerar una contraposición a una inundación. Este desierto puede aportar significado de condiciones adversas para la vida y las barreras entre la amabilidad de la gente hacia los demás. Fijado boca abajo en el desierto encontramos un gancho y aunque parece no estar profundamente incrustado, el gancho permanece recto y estable contra la gravedad. Otros dos ganchos se desvanecen hacia un punto fijado en la parte izquierda del horizonte.

En el primer plano de Ubu imperator, en la torre, se pueden ver dos manos con las palmas dirigidas hacia el cuerpo de la torre.  Ambas están pintadas de una forma que recuerda a una forma de plegaria abierta, casi imitando a Jesús en varias pinturas medievales y del renacimiento. La torre puede tener carácter religioso y el autor podría estar enseñando la gran fuerza que ha tenido la Iglesia Católica en la historia. La inclinación de la torre hacia el cielo podría ser otra indicación de que se dirige hacia su creador para que la salve de las dificultades del desierto que la envuelve.

Enrollado alrededor de la torre con la forma de una bufanda, se encuentra algún tipo de tela verde. Apenas colgando de la torre, la bufanda podría representar la naturaleza y su necesidad en el mundo en el que vivimos. Con la bufanda a punto de caer a la tierra árida se evoca la capacidad que podemos tener de perder el contacto con la naturaleza y en una perspectiva contraria se podría ver a la torre como el guardián que mantiene la naturaleza.

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Tres mujeres – Fernand Leger

tres mujeres leger

Tres mujeres de Fernand Leger fue pintado en 1921. La pintura muestra tres mujeres desnudas con ciertos detalles de sus cuerpos aumentados y en una habitación muy decorativa y organizada. El pintor da a las mujeres retratadas una forma similar a máquinas para representar cómo la vida se puede volver simplística y no-emocional como un robot.

Durante la Primera Guerra Mundial Fernand Leger quiso hacer su arte más accesible a las clases trabajadoras. La transición fue conocida como su periodo mecánico que se concentró en la industrializacioón. Algunos describen este periodo del pintor como la representación de la belleza de la vida urbana retratando humanos como figuras geométricas y mecanizadas integradas con los igualmente geométricos y mecanizados ambientes.

Los objetos más destacables de Tres mujeres son, evidentemente, las tres protagonistas que aparecen tomando una bebida caliente. Las dos que están estiradas son grises y la que está sentada en marrón. Los objetos y diseños que rodean a las mujeres tienen un patrón vertical. El pintor no remarca el contorno de los objetos, pero usa las sombras para ayudar a definir las curvaturas de la mesa, el sofá y las partes del cuerpo de las mujeres.  Los cuerpos de las mujeres tienen una apariencia rígida y sus pieles son muy claras. Además, destacan las hinchadas piernas y brazos que parecen distorsionados en comparación con sus caras. Probablemente este hecho es para brindarles una figura más masculina y representarlas como no bellas para evitar que sus cuerpos centren la atención en detrimento de sus caras y del fondo. Las caras de Tres Mujeres destacan porque no muestran ninguna emoción mientras beben el té y café en su apartamento.

El uso de estas mujeres no emocionales sirve para describir la nueva innovación basada en máquinas y cómo éstas no son capaces de expresar sentimientos, mientras que en la pintura los objetos adquieren gran importancia por sus detalles. Los colores de estos son vibrantes y de todo tipo de diseños y representan el nuevo estilo de vida.

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Nighthawks – Edward Hopper

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Nighthawks es un óleo sobre lienzo del pintor americano Edward Hopper que retrata a un grupo de personas en una cafetería del centro de una ciudad de noche. Pintado en 1942, es el cuadro más famoso de Hopper y una de las obras más reconocibles del arte estadounidense.

La perspectiva del Nighthawks es uno de los aspectos más destacables de la obra. El autor decidió pintar una escena localizada en una esquina puntiaguda y no en una de las típicas intersecciones neoyorquinas que forman un ángulo recto. Esta elección le permitió mostrar a sus sujetos desde un punto de vista casi frontal a la vez que podía enseñar la escasamente iluminada calle de detrás de la escena. Hopper a menudo pintaba escenas en las cuales parte exterior de la misma se pueden ver a través de dos paneles de cristal. En Nighthawks esta parte del cuadro llena el centro de la pintura

En cuanto al color, fuera de la cafetería destacan los colores apagados como sería esperable en la noche. En el interior la vestimenta de los sujetos marca los tonos y delimita las zonas de color claramente diferenciadas. Por un lado, los dos hombres más a la izquierda con sus trajes oscuros y por el otro el camarero con su traje blanco y la mujer vestida de rojo. De hecho el vestido y pintalabios de la mujer son los únicos representantes del color rojo en toda la pintura.

Los efectos de la luz en los objetos siempre fueron de interés para el artista, incluyendo la luz solar durante el día pero también la luz artificial durante la noche. Nighthawks es probablemente el intento más ambicioso de capturar esta luz creada por el hombre durante la noche. La luz en la pintura proviene en su totalidad del interior de la cafetería y desde más de una bombilla, causando sombras diferentes y resultando en algunos puntos más claros que otros según su ángulo. La luz interior provoca que algunas superficies sean reflectantes (por ejemplo el margen derecho de la ventana del fondo que refleja una línea amarilla), siendo este reflejo imposible de ver a la luz del día.  En la calle y en las ventanas se refleja la sombra causada por el límite superior de la cafetería. Además, estas ventanas también están iluminadas parcialmente por una luz de la calle (no visible en el cuadro) que proyecta sus propias sombras.

Algunas de las inspiraciones usadas por el artista para realizer Nighthawks podrían ser Night Café de Van Gogh, ya que las luces y temas de la obra son parecidos. También es probable, como el artista ha reconocido, que se inspirara en la historia corta de Ernest Hemmingway, The Killers.

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Autorretrato con collar de espinas – Frida Kahlo

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Autorretrato con collar de espinas es una obra de Frida Kahlo pintada en 1940 donde aparece ella misma en pose frontal con una corona de Cristo desenmarañada y llevada como un collar, representándose a sí misma como una mártir cristiana. Las espinas adentrándose en su cuello y provocándole un sangrado son el símbolo de la pena que ella sufre debido a su divorcio con Diego Rivera. La expresión de la artista en el cuadro es de calma y solemnidad, mostrando que es capaz de soportar la pena sin alterarse.

Colgando desde el collar espinoso hay un colibrí cuyas alas desplegadas recuerdan a las cejas unidas de Frida. En la tradición mexicana, los colibrís son usados como amuletos que traen suerte en el amor. Además, normalmente están relacionados con la libertad y la vida debido a sus colores y que siempre están merodeando sobre flores. Sin embargo, en este cuadro el colibrí es negro y sin vida, pudiendo ser una metáfora del estado de la autora o usado como alegoría a una posible recuperación y a sus propios deseos de conseguir una mejor suerte después de su divorcio.

Sobre su hombro izquierdo se sitúa un gato negro, símbolo de mala suerte y de muerte que parece a la espera de atacar al colibrí. Sobre su hombro derecho está su mono mascota, símbolo del demonio y un regalo de su exmarido Diego. Es este mono, además, el que parece estar confeccionando el collar de espinas y consecuentemente la causa de la pena de Frida.  Alrededor de su pelo las mariposas simbolizan la resurrección. En el fondo, como es habitual en varias de sus pinturas, aparece un muro de grandes hojas de plantas tropicales.

Autorretrato con collar de espinas es un gran ejemplo del gran simbolismo usado por Frida Kahlo en muchas de sus obras, donde ella no está representando una escena real sino usando estos elementos simbólicos para expresar sus sentimientos.

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El gran masturbador – Salvador Dalí

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El gran masturbador es una de las obras más famosas de Salvador Dalí y es un óleo sobre lienzo de estilo surrealista pintado en 1929. Actualmente se puede visitar en el Museo reino Sofía en Madrid.

El centro de El gran masturbador tiene una cara distorsionada y de perfil  mirando hacia abajo basada en la forma de una roca natural que se puede encontrar en el Cap de Creus, en la Costa Brava de Cataluña. Este perfil aparece en otras pinturas de Dalí como la también célebre La persistencia de la memoria. Del final de la cabeza surge una figura femenina desnuda; algunas interpretaciones  hablan de la figura de Gala, la por aquel entonces nueva musa del pintor. La boca de la mujer está situada justo al lado de lo que parecen unos genitales masculinos, sugiriendo una felación. La figura masculina solo aparece de cintura para abajo y presenta cortes sangrantes en las rodillas.

En la boca de la gran cabeza hay un saltamontes, un insecto al cual el pintor había hecho referencia en varios de sus escritos. Además, una plaga de hormigas se sitúa sobre el abdomen de dicho saltamontes, siendo este un motivo habitual de representación de ansiedad sexual para el autor. En la parte baja del paisaje se pueden apreciar tres figuras, siendo dos de ellas muy cercanas y proyectando una sola sombra mientras la otra es más lejana.

El gran masturbador representa varios de las actitudes contradictorias de Dalí hacia las relaciones sexuales, que fueron una de sus mayores obsesiones en vida. Durante la juventud del artista, su padre le dejó un libro con fotos explícitas de gente sufriendo diversas enfermedades venéreas para educarle provocando en el joven una fascinación y horror que acompañaron a Dalí durante su vida adulta. Además, en palabras del autor, este cuadro era un homenaje a uno de los acantilados de su querida tierra, el Empordá.

Se han realizado también algunas comparaciones entre esta obra y El jardín de las ocho delicias de El Bosco, donde una imagen compuesta por diversas rocas, arbustos y pequeños animales recuerda a la cara con una prominente nariz y largas pestañas que aparece en El gran masturbador.

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No.5, 1948 – Jackson Pollock

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No.5, 1948 es una pintura de Jackson Pollock, un pintor americano conocido por sus contribuciones al movimiento del expresionismo abstracto.

La pintura fue creada sobre conglomerado con un tamaño de 240×120 cm. La pintura usada para No.5, 1948 es pintura líquida, más concretamente pintura de resina sintética (esmalte acrílico), pero normalmente es referida como pintura al óleo para la clasificación de la obra. Los colores usados son gris, marrón, blanco y amarillo salpicados de una manera que recuerda a un denso nido de pájaro y que inspira diferentes emociones en los espectadores de la pintura. El uso de “action painting”, el goteo espontáneo, manchado y lanzamiento de la pintura son los estilos usados en esta creación, que junto con su complejidad y dedicación han llevado esta obra a la cumbre del arte moderno.

No.5, 1948 supuso una gran nueva influencia en el expresionismo abstracto y el artista dio un paso más dentro de este movimiento, dando simplemente un número a la obra en lugar de un nombre como es habitual. Fue capaz de crear nuevas sensaciones en los espectadores de su arte ya que su intención era que la gente se fijara en la pintura y sintieran lo que la obra les evocaba. Con sus métodos poco convencionales, además fue capaz de influir en otros artistas de la época para que dejaran atrás las técnicas habituales del momento y dieran el salto fuera de los límites establecidos.

No.5, 1948 es una de las pinturas más caras de la historia, ya que fue vendida en 2006 por 140 millones de dólares. Además, se sospecha que su valor va a ir incrementando a lo largo del tiempo ya que las obras de Jackson Pollock son cada vez más escasas.

Sin embargo, este trabajo y otros del artista no siempre han recibido buenas críticas, ya que algunos expertos lo catalogaban como caos, ausencia absoluta de armonía, falta de estructuración y técnica rudimentaria.

Y a ti, ¿qué te parece?

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Composición VII – Vasili Kandinski

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Composición VII es para muchos considerado la obra maestra de Vassili Kandinski debido a su gran tamaño, la cantidad de trabajo preparatorio, complejidad  de temas e implicación subjetiva.  La realización de la pintura duró estrictamente 3 días, entre el 25 y el 28 de noviembre de 1913, pero la preparación previa es digna de reconocer.

Para la preparación de Composición VII se conoce la existencia de más de 15 versiones del mismo en diferentes materiales como pinturas en cristal, dibujos, acuarelas, tallados y óleos. Existen también más de treinta dibujos y acuarelas hechas, algunos de ellos detallados estudios que recuerdan a pinturas de los maestros Caravaggio o Leonardo da Vinci con minucionsas representaciones de pliegues, follaje y extremidades del cuerpo humano. Hay hojas donde se repiten de manera invariable una sola línea curva, otras muestran esquemas de los elementos estructurales de la composición y otros contienen planes detallados para la preparación del lienzo. Hay, además, almenos diez estudios realizados en óleo relacionados con Composición VII.

Esta pintura encarna las complejas filosóficas y pictóricas ideas de la época. Aunque la pintura es totalmente no figurativa, las fotografías realizadas durante su creación y los estudios previos y algunos escritos del autor sugieren temas apocalípticos tales como devastación, el juicio final, la resurrección y el paraíso. En Composición VII se pueden detectar algunos motivos reconocibles como la barca y los remos en el rincón inferior izquierdo, pero Kandinsky deliberadamente tapó estos elementos externos y representativos en favor de un significado interno espiritual.

La sinestesia sufrida por Kandinsky toma probablemente el mayor grado de representación en esta obra, donde los colores transmiten cierta musicalidad. Curiosamente, el artista era un gran amigo del compositor Arnold Schönberg. Otros estudios hablan sobre una posible inspiración en la música de Richard Wagner en cuanto a los motivos apocalípticos presentes en Composición VII.

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Torre Eiffel con árboles – Robert Delaunay

torre eiffel con arbolesAl igual que para muchas figuras artísticas de la época, la Torre se convirtió en un símbolo de modernidad para Robert Dalaunay haciéndola el tema central de más de 30 de sus pinturas a lo largo de una década.

En el caso de Torre Eiffel con árboles, el autor hace una representación dinámica de la misma contraponiéndose a otras pinturas anteriores que se caracterizaban por una paleta limitada y formas  geométricas. El autor muestra la Torre desde diversos puntos de vista a la vez, sugiriendo el movimiento de los ojos a través del espacio y el tiempo.  Retrata la moción con la que los ojos siguen la trayectoria de la estructura desde el cielo hasta la base. Estos efectos ópticos son incluso más aparentes algunos trabajos posteriores del autor, tales como la serie de Ventanas que le condujeron a un nivel de abstracción más elevado. Al introducir el concepto del tiempo el artista es capaz de sintetizar varias impresiones de la torre, capturando la experiencia perceptual de la misma. Torre Eiffel con árboles fue pintado cuando el artista estaba lejos de París, así que tuvo que trabajar de memoria.

La obra Torre Eiffel con árboles marca el inicio de la fase que exactamente el mismo Delaunay califica como “destructiva”: la manera sólida de sus obras precedentes se vuelve fragmentaria y empieza a desintegrarse. Delaunay eligió un tema que le dejaba entregar rienda suelta a su predilección por la sensación de extensos espacios, atmósfera y luz, mientras que evocaba un símbolo de modernidad y progreso. Los logros de Delaunay en materia de estilo son representativos de un nuevo siglo, y de su giro cara la urbanización.

Muchas de las imágenes de Delaunay son perspectivas desde una ventana enmarcada por cortinas. En Torre Eiffel con árboles, las construcciones que rodean la torre se encorvan como cortinajes. La perspectiva de la ventana deja a la serie de la Torre Eiffel combinar el ambiente del exterior con el interior, y nos recuerda la ideatradicional, propia del Romanticismo, de la ventana abierta.

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Las señoritas de aviñón – Pablo Picasso

las señoritas de aviñón

Las señoritas de Aviñón es una pintura al óleo de Pablo Picasso pintada en 1907. La obra retrata a cinco prostitutas desnudas en un burdel de una calle de Barcelona. Cada una de ellas está pintada de una forma confrontacional y desconcertante sin ser ninguna de ellas típicamente femenina. Las tres mujeres de la izquierda presentan tratos faciales del típico estilo ibérico de Picasso, mientras que las dos de la derecha tienen una faz similar a máscaras africanas.

Muchas veces se considera Las señoritas de Aviñón como el primer cuadro cubista, aunque algunos expertos lo consideran una exageración; el estilo de la pintura no se puede considerar todavía cubista, de hecho incluye elementos expresionistas contrarios al cubismo, aunque sí es acertado tomarlo como su punto de partida.

Probablemente debido a la cantidad de arte provocativo que existe en la actualidad es difícil valorar correctamente la brutalidad que supuso Las señoritas de Aviñón en su momento. El hecho de pintar mujeres sin ningún tipo de encanto o tristeza, sin ironía o crítica social, simplemente como si fueran los troncos de una empalizada. Igualmente, el método de pintura y el desencajamiento de las figuras apuntan simpleza y agresividad emocional sin preocuparse de la estética.

Las influencias de esta obra han sido ampliamente estudiadas. Por un lado, El Greco era uno de los artistas más admirados por Picasso en la época en que pintó Las señoritas de Aviñón. Concretamente, el cuadro Visión del Apocalipsis le sirvió de inspiración para el tamaño, forma y composición de esta obra. También Paul Gauguin y Paul Cézanne influyeron en Picasso a la hora del nacimiento del cubismo, especialmente en 1906 y 1907. Las exploraciones en la simplificación geométrica de Cézanne y el interés por el primitivismo y el arte africano de Gauguin fueron clave para la creación de Las señoritas de Aviñón.

Aunque la obra ha tenido una enorme y profunda influencia en el arte moderno, este impacto no fue inmediato ya que la pintura estuvo durante muchos años en el estudio de Picasso. Al principio sólo su círculo de amigos y artistas más cercanos eran conscientes de su existencia y las opiniones al respecto eran muy variadas, algunos se mostraban sorprendidos y disgustados mientras que otros estuvieron entusiasmados. Las señoritas de Aviñón fue exhibida por primera vez en 1916 y reconocida como un logro revolucionario alrededor de 1920.

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La noche estrellada – Van Gogh

cuadro van gogh

La noche estrellada es una pintura al óleo, obra del famosísimo pintor Vincent Van Gogh, considerada por muchos su mejor obra y sin duda una de las más conocidas. La obra fue pintada en 1889 y  muestra la vista exterior que el autor podía observar desde la ventana de su habitación en el sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence donde estuvo recluido los últimos años de su vida. Actualmente se puede encontrar en el Museum of Modern Art of New York (MoMa).

Aunque la pintura representa la noche, fue pintada por el autor durante el día y en su estudio, ya que no tenía permitido pintar en su habitación del sanatorio.  Sin embargo sí podía hacer bocetos en tinta o carboncillo. De hecho esa misma vista fue pintada 21 veces por el pintor representando diferentes partes del día y varias condiciones meteorológicas.

A pesar del reconocimiento actual de la obra, el autor no estaba en absoluto orgulloso de ella y en algunas cartas hacía referencia a ella como un fracaso. En otra misiva hablaba sobre dejarse llevar por la abstracción como le ocurrió en las estrellas representadas en forma de remolinos como ocurre en La noche estrellada y de la equivocación que esta aproximación a la pintura le parecía.

Las interpretaciones de los elementos de La noche estrellada han sido muchas y variadas a lo largo de la historia. En el cielo estrellado se han identificado Venus o incluso la constelación Aries, galaxias en forma de espiral o cometas. El pueblo normalmente se identifica como una recolección de la ciudad natal de Van Gogh o como el pueblo de Saint-Rémy aunque en ambos casos fue una adición del autor a la vista desde su ventana. Los cipreses y su significado ligado a la muerte también han generado mucho debate, aunque algunas cartas del autor apuntan a un interés en ellos más formal que simbólico.

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