La mesa de mármol rosa – Henry Matisse

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La mesa de mármol rosa (1916) es una de las obras menos conocidas pero a la vez más icónicas de Henry Matisse ya que es capaz de reunir varias de las características únicas de la pintura del autor. La representación de objetos cotidianos y el juego con la perspectiva son algunos rasgos que saltan a la vista desde un primer momento, pero una mirada algo más detallada nos permite conocer mucho mejor La mesa de mármol rosa y todo lo que representa.

La obra actualmente se encuentra en el MoMA, se trata de un óleo sobre lienzo con un tamaño considerable (146 x 97 cm) donde además de la mesa podemos encontrar elementos como el jardín de fondo, una cesta y tres manzanas. La obra fue importante para el propio autor puesto que aparece en una de sus obras posteriores, Las tres hermanas y la mesa de mármol rosa, donde el cuadro que nos ocupa está situado en el fondo, detrás de las tres hermanas protagonistas. El estilo de las dos obras es muy distinto, pero la mesa hace de nexo de unión de ambas.

Esta obra, además de ser un ejemplo del estilo de Matisse ha servido para conocer con algo más de detalla la técnica pictórica del autor. Elementos aparentemente sencillos como el cesto y las manzanas guardan tras de sí avanzadas técnicas de pintura que el autor preparaba meticulosamente en la capa de imprimación. Además, el color rosa de la mesa es en realidad mucho más intenso de lo que percibimos ya que queda enmascarado por los barnices posteriores. Sin embargo, se puede apreciar un cambio importante respecto a la etapa anterior del artista, el fauvismo, donde los tonos eran más estridentes y saturados. Esta combinación de tonos rosas, verdes y marrones es única en toda la obra de Matisse y en parte transmite la melancolía del artista en su etapa en París, antes de marchar a Niza para escapar de la Guerra Mundial.

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Ubu imperator – Max Ernst

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Ubu imperator es una obra pintada por Max Ernst en 1923.  A pesar de su tamaño relativamente pequeño, 100 x 81 cm, el lienzo fácilmente golpea al espectador con la pregunta de cuál es el significado de la obra. En el centro de la misma hay una figura con forma de torre y con sus manos hacia arriba. Lo que sorprende es que aunque la torre está inclinada, la base de la misma está recta e inmóvil. El autor podría estar representando en Ubu imperator que la igualdad puede ser un resultado de la desigualdad misma. La parte superior de la torre está inclinada como la Torre de Pisa en Italia, lo que podría dar un significado a la misma de antigüedad y construida  sin planificación. También puede recordar a la Torre de Babel, mencionada en el Libro del Génesis y que fue reconstruida en la era babilónica después de la Gran Inundación.

Siguiendo esta conexión con la Torre de Babel y la Gran Inundación, la parte inferior del fondo de Ubu imperator es un desierto totalmente seco, lo que se puede considerar una contraposición a una inundación. Este desierto puede aportar significado de condiciones adversas para la vida y las barreras entre la amabilidad de la gente hacia los demás. Fijado boca abajo en el desierto encontramos un gancho y aunque parece no estar profundamente incrustado, el gancho permanece recto y estable contra la gravedad. Otros dos ganchos se desvanecen hacia un punto fijado en la parte izquierda del horizonte.

En el primer plano de Ubu imperator, en la torre, se pueden ver dos manos con las palmas dirigidas hacia el cuerpo de la torre.  Ambas están pintadas de una forma que recuerda a una forma de plegaria abierta, casi imitando a Jesús en varias pinturas medievales y del renacimiento. La torre puede tener carácter religioso y el autor podría estar enseñando la gran fuerza que ha tenido la Iglesia Católica en la historia. La inclinación de la torre hacia el cielo podría ser otra indicación de que se dirige hacia su creador para que la salve de las dificultades del desierto que la envuelve.

Enrollado alrededor de la torre con la forma de una bufanda, se encuentra algún tipo de tela verde. Apenas colgando de la torre, la bufanda podría representar la naturaleza y su necesidad en el mundo en el que vivimos. Con la bufanda a punto de caer a la tierra árida se evoca la capacidad que podemos tener de perder el contacto con la naturaleza y en una perspectiva contraria se podría ver a la torre como el guardián que mantiene la naturaleza.

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Tres mujeres – Fernand Leger

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Tres mujeres de Fernand Leger fue pintado en 1921. La pintura muestra tres mujeres desnudas con ciertos detalles de sus cuerpos aumentados y en una habitación muy decorativa y organizada. El pintor da a las mujeres retratadas una forma similar a máquinas para representar cómo la vida se puede volver simplística y no-emocional como un robot.

Durante la Primera Guerra Mundial Fernand Leger quiso hacer su arte más accesible a las clases trabajadoras. La transición fue conocida como su periodo mecánico que se concentró en la industrializacioón. Algunos describen este periodo del pintor como la representación de la belleza de la vida urbana retratando humanos como figuras geométricas y mecanizadas integradas con los igualmente geométricos y mecanizados ambientes.

Los objetos más destacables de Tres mujeres son, evidentemente, las tres protagonistas que aparecen tomando una bebida caliente. Las dos que están estiradas son grises y la que está sentada en marrón. Los objetos y diseños que rodean a las mujeres tienen un patrón vertical. El pintor no remarca el contorno de los objetos, pero usa las sombras para ayudar a definir las curvaturas de la mesa, el sofá y las partes del cuerpo de las mujeres.  Los cuerpos de las mujeres tienen una apariencia rígida y sus pieles son muy claras. Además, destacan las hinchadas piernas y brazos que parecen distorsionados en comparación con sus caras. Probablemente este hecho es para brindarles una figura más masculina y representarlas como no bellas para evitar que sus cuerpos centren la atención en detrimento de sus caras y del fondo. Las caras de Tres Mujeres destacan porque no muestran ninguna emoción mientras beben el té y café en su apartamento.

El uso de estas mujeres no emocionales sirve para describir la nueva innovación basada en máquinas y cómo éstas no son capaces de expresar sentimientos, mientras que en la pintura los objetos adquieren gran importancia por sus detalles. Los colores de estos son vibrantes y de todo tipo de diseños y representan el nuevo estilo de vida.

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Autorretrato con collar de espinas – Frida Kahlo

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Autorretrato con collar de espinas es una obra de Frida Kahlo pintada en 1940 donde aparece ella misma en pose frontal con una corona de Cristo desenmarañada y llevada como un collar, representándose a sí misma como una mártir cristiana. Las espinas adentrándose en su cuello y provocándole un sangrado son el símbolo de la pena que ella sufre debido a su divorcio con Diego Rivera. La expresión de la artista en el cuadro es de calma y solemnidad, mostrando que es capaz de soportar la pena sin alterarse.

Colgando desde el collar espinoso hay un colibrí cuyas alas desplegadas recuerdan a las cejas unidas de Frida. En la tradición mexicana, los colibrís son usados como amuletos que traen suerte en el amor. Además, normalmente están relacionados con la libertad y la vida debido a sus colores y que siempre están merodeando sobre flores. Sin embargo, en este cuadro el colibrí es negro y sin vida, pudiendo ser una metáfora del estado de la autora o usado como alegoría a una posible recuperación y a sus propios deseos de conseguir una mejor suerte después de su divorcio.

Sobre su hombro izquierdo se sitúa un gato negro, símbolo de mala suerte y de muerte que parece a la espera de atacar al colibrí. Sobre su hombro derecho está su mono mascota, símbolo del demonio y un regalo de su exmarido Diego. Es este mono, además, el que parece estar confeccionando el collar de espinas y consecuentemente la causa de la pena de Frida.  Alrededor de su pelo las mariposas simbolizan la resurrección. En el fondo, como es habitual en varias de sus pinturas, aparece un muro de grandes hojas de plantas tropicales.

Autorretrato con collar de espinas es un gran ejemplo del gran simbolismo usado por Frida Kahlo en muchas de sus obras, donde ella no está representando una escena real sino usando estos elementos simbólicos para expresar sus sentimientos.

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El gran masturbador – Salvador Dalí

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El gran masturbador es una de las obras más famosas de Salvador Dalí y es un óleo sobre lienzo de estilo surrealista pintado en 1929. Actualmente se puede visitar en el Museo reino Sofía en Madrid.

El centro de El gran masturbador tiene una cara distorsionada y de perfil  mirando hacia abajo basada en la forma de una roca natural que se puede encontrar en el Cap de Creus, en la Costa Brava de Cataluña. Este perfil aparece en otras pinturas de Dalí como la también célebre La persistencia de la memoria. Del final de la cabeza surge una figura femenina desnuda; algunas interpretaciones  hablan de la figura de Gala, la por aquel entonces nueva musa del pintor. La boca de la mujer está situada justo al lado de lo que parecen unos genitales masculinos, sugiriendo una felación. La figura masculina solo aparece de cintura para abajo y presenta cortes sangrantes en las rodillas.

En la boca de la gran cabeza hay un saltamontes, un insecto al cual el pintor había hecho referencia en varios de sus escritos. Además, una plaga de hormigas se sitúa sobre el abdomen de dicho saltamontes, siendo este un motivo habitual de representación de ansiedad sexual para el autor. En la parte baja del paisaje se pueden apreciar tres figuras, siendo dos de ellas muy cercanas y proyectando una sola sombra mientras la otra es más lejana.

El gran masturbador representa varios de las actitudes contradictorias de Dalí hacia las relaciones sexuales, que fueron una de sus mayores obsesiones en vida. Durante la juventud del artista, su padre le dejó un libro con fotos explícitas de gente sufriendo diversas enfermedades venéreas para educarle provocando en el joven una fascinación y horror que acompañaron a Dalí durante su vida adulta. Además, en palabras del autor, este cuadro era un homenaje a uno de los acantilados de su querida tierra, el Empordá.

Se han realizado también algunas comparaciones entre esta obra y El jardín de las ocho delicias de El Bosco, donde una imagen compuesta por diversas rocas, arbustos y pequeños animales recuerda a la cara con una prominente nariz y largas pestañas que aparece en El gran masturbador.

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Composición VII – Vasili Kandinski

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Composición VII es para muchos considerado la obra maestra de Vassili Kandinski debido a su gran tamaño, la cantidad de trabajo preparatorio, complejidad  de temas e implicación subjetiva.  La realización de la pintura duró estrictamente 3 días, entre el 25 y el 28 de noviembre de 1913, pero la preparación previa es digna de reconocer.

Para la preparación de Composición VII se conoce la existencia de más de 15 versiones del mismo en diferentes materiales como pinturas en cristal, dibujos, acuarelas, tallados y óleos. Existen también más de treinta dibujos y acuarelas hechas, algunos de ellos detallados estudios que recuerdan a pinturas de los maestros Caravaggio o Leonardo da Vinci con minucionsas representaciones de pliegues, follaje y extremidades del cuerpo humano. Hay hojas donde se repiten de manera invariable una sola línea curva, otras muestran esquemas de los elementos estructurales de la composición y otros contienen planes detallados para la preparación del lienzo. Hay, además, almenos diez estudios realizados en óleo relacionados con Composición VII.

Esta pintura encarna las complejas filosóficas y pictóricas ideas de la época. Aunque la pintura es totalmente no figurativa, las fotografías realizadas durante su creación y los estudios previos y algunos escritos del autor sugieren temas apocalípticos tales como devastación, el juicio final, la resurrección y el paraíso. En Composición VII se pueden detectar algunos motivos reconocibles como la barca y los remos en el rincón inferior izquierdo, pero Kandinsky deliberadamente tapó estos elementos externos y representativos en favor de un significado interno espiritual.

La sinestesia sufrida por Kandinsky toma probablemente el mayor grado de representación en esta obra, donde los colores transmiten cierta musicalidad. Curiosamente, el artista era un gran amigo del compositor Arnold Schönberg. Otros estudios hablan sobre una posible inspiración en la música de Richard Wagner en cuanto a los motivos apocalípticos presentes en Composición VII.

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La noche estrellada – Van Gogh

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La noche estrellada es una pintura al óleo, obra del famosísimo pintor Vincent Van Gogh, considerada por muchos su mejor obra y sin duda una de las más conocidas. La obra fue pintada en 1889 y  muestra la vista exterior que el autor podía observar desde la ventana de su habitación en el sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence donde estuvo recluido los últimos años de su vida. Actualmente se puede encontrar en el Museum of Modern Art of New York (MoMa).

Aunque la pintura representa la noche, fue pintada por el autor durante el día y en su estudio, ya que no tenía permitido pintar en su habitación del sanatorio.  Sin embargo sí podía hacer bocetos en tinta o carboncillo. De hecho esa misma vista fue pintada 21 veces por el pintor representando diferentes partes del día y varias condiciones meteorológicas.

A pesar del reconocimiento actual de la obra, el autor no estaba en absoluto orgulloso de ella y en algunas cartas hacía referencia a ella como un fracaso. En otra misiva hablaba sobre dejarse llevar por la abstracción como le ocurrió en las estrellas representadas en forma de remolinos como ocurre en La noche estrellada y de la equivocación que esta aproximación a la pintura le parecía.

Las interpretaciones de los elementos de La noche estrellada han sido muchas y variadas a lo largo de la historia. En el cielo estrellado se han identificado Venus o incluso la constelación Aries, galaxias en forma de espiral o cometas. El pueblo normalmente se identifica como una recolección de la ciudad natal de Van Gogh o como el pueblo de Saint-Rémy aunque en ambos casos fue una adición del autor a la vista desde su ventana. Los cipreses y su significado ligado a la muerte también han generado mucho debate, aunque algunas cartas del autor apuntan a un interés en ellos más formal que simbólico.

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Museos en contexto

La definición clásica de los museos sería algo parecido a esto: un museo es una institución duradera, sin finalidad lucrativa, dispuesta  al servicio y desarrollo de la sociedad,  abierta al público y que se ocupa de adquirir, conservar, investigar, transmitir información y  testimonios materiales de los individuos y su medio  ambiente, con fines de estudio, educación y recreación.

Historia de los museos

Los museos tienen su origen en la antigua Grecia donde el concepto era representado por dos instituciones: el museion, donde se recogían los conocimientos de la humanidad y la pinakothéke, donde se conservaban objetos de valor histórico o artístico.  Estos modelos se transformaron durante la edad antigua en los tesoros,  por un lado la Iglesia era la que aglutinaba el conocimiento humano y por otro lado las cortes y las grandes burguesías poseían los tesoros materiales. Así se llegó durante el siglo XVII a la creación de los museos, tal como los reconoceríamos hoy en día, como instituciones que comprendían colecciones privadas surgidas del seno de la monarquía y la aristocracia que imponían y legitimaban obras seleccionadas bajo sus propios ideales.  Estos sólo podían ser visitados por personas ilustres y distinguidas. Los primeros museos públicos nacen amparados por la Revolución Francesa y como espacios para permitir la contemplación de colecciones preestablecidas. Este concepto va evolucionando lentamente y se empieza a educar y a hacer partícipe al espectador, tomando conciencia del gran poder que podían ejercer los museos en su audiencia.

Museos contexto

Las visiones más modernas sobre la cultura y el entendimiento de ésta han hecho posible que se ampliara el rango de elementos considerados válidos para ser expuestos en museos, haciendo evolucionar no tanto el concepto de museo, que más o menos ha permanecido estático a lo largo de los siglos, sino de “objeto museable”.

Museos de arte y su papel actual

Centrándonos en el punto de vista artístico,  los museos siempre han sido instituciones que sirven para actualizar y legitimar lo cultural y lo artístico. En su origen esto venía dictado por el criterio del monarca o aristócrata que poseía la colección, pero en la actualidad el concepto sigue siendo el mismo a una escala diferente. Esto ha provocado que el concepto de museo haya sucumbido al revisionismo que caracteriza la cultura contemporánea. Desde la mitad del siglo XX han sido múltiples las figuras que han intentado analizar el papel actual de los museos en la sociedad, llegando a cierto nivel de contrasentido. Por un lado, la constante aceleración de la cultura lleva a una obsolescencia cada vez más veloz de objetos, fenómenos y movimientos artísticos. El museo se erige entonces como la institución ejemplar que colecciona y  preserva  lo que ha sucumbido a los estragos de la modernización. Sin embargo, parte del discurso típico de la cultura moderna incluye el ataque hacia el museo como institución.  El ejemplo más agravante está en las vanguardias históricas, siendo los movimientos que desde principios del siglo XX arremetieron más duramente contra la figura del museo. Paradójicamente, los productos artísticos de las vanguardias fueron prontamente incluidos dentro del ámbito del museo.

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El Guernica y la República

El Guernica de Picasso destaca por muchas cosas y aparte de su valor artístico, es una de las obras de arte moderno de la que se pueden hacer  más interpretaciones. Siempre se le ha dado una connotación política y reivindicativa respecto a la guerra, aunque nunca ha quedado claro. A esto siempre ha ayudado el hecho de que el propio artista nunca haya sido muy explícito en lo que el cuadro significaba. Probablemente los elementos individuales del cuadro quedarán sin descifrar después de la muerte del artista, pero hay algunos elementos que han tenido una interpretación bastante polémica y aquí vamos a discutir la interpretación que se ha hecho de uno de ellos: la mujer del quinqué como representación de la República.

Picasso y la política

Antes de que cunda el pánico, vamos a intentar situar el contexto para ver de dónde sale esa idea. Para empezar, está claro Picasso tenía unas ideas políticas bastante definidas en la época en la que pintó el Guernica. Por un lado, el cuadro fue solicitado en 1937 por el gobierno de Juan Negrín, último presidente de la II República. Y aunque el artista al principio no estaba dispuesto a usar sus obras con fines propagandísticos, finalmente accedió a ello. Ese mismo año Picasso había realizado su obra “Sueños y mentiras de Franco”, que eran dos grabados similares a cómics donde caricaturizaba al general Franco y denunciaba su golpe de Estado.

Además de esto, hay varios acontecimientos durante la vida del artista que confirman las ideas políticas de Picasso. Por un lado, unas declaraciones del propio artista mientras pintaba el Guernica donde dijo “En mis obras recientes expreso mi execración de la casta que ha hundido a España en un océano de dolor y de muerte” haciendo referencia al golpe de Estado y a la consecuente guerra. En otra ocasión, estando en París, unos agentes alemanes interesados en el Guernica le preguntaron: “¿Lo hizo usted?”, a lo que él contestó: “No…usted.” En algunos bocetos del Guernica aparecen, además, algunos símbolos políticos como la hoz y el martillo que luego serían desechados para la obra final.

Guernica y República y Guernika

Poco después de la creación del cuadro y una vez finalizada la Exposición Internacional de 1937 para el cual había sido encargado el Guernica, la obra viajó a los Estados Unidos y se instaló en el MoMa en 1942. En los años 60 Franco inició los trámites para que volviera la obra a España, pero el propio pintor se negaba a ello y años más tarde, escribió directamente al museo pidiendo que no se devolviera el cuadro hasta que se reinstauraran las libertades públicas. Esto acompañado con su frase “El Guernica solamente volverá a España con la República” dejaban clara la postura del pintor frente a la dictadura.

El Guernica y la república

Teniendo en cuenta todos estos datos, queda claro que Picasso era democrático y pacifista; como hasta el momento la mayor forma de democracia se había visto durante la II República, no es de extrañar que la defendiera. Y entonces desde aquí, ¿cómo se puede llegar a decir que la mujer del quinqué representa a la República? En primer lugar hay que analizar la luz de la obra. Se contraponen dos elementos muy cercanos pero muy diferentes, por un lado la bombilla o luz artificial y el quinqué o la vela que lleva la mujer. De estos dos elementos el único que ilumina realmente es el segundo, ya que la bombilla aunque parece brillar no aporta luz a las figuras del cuadro. Además, esta luz ocupa la parte principal del cuadro, siendo el vértice superior del triángulo central. Se puede decir que esta luz, o la República, es la única que puede iluminar el camino de la gente que ha sufrido los estragos de la guerra.

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