Dos Hermanas – John Graham

dos hermanas john grahamDos hermanas se trata de una de las obras más importantes del, injustamente, muchas veces desconocido pintor de origen ucraniano. El cuadro actualmente se encuentra en el MoMa, pero precisamente en estos momentos no está al acceso del público.

Todo el peso de la composición lo llevan las dos figuras femeninas, que por el título se puede deducir que son hermanas. Llaman la atención los ojos vizcos y el pecho descubierto de la mujer de la derecha, aunque al margen de eso ambas figuras presentan unos rasgos similares. Las dos mujeres están compuestas a partir de trozos que recuerdan a piezas maestras del renacimiento. Con sus vestidos especialmente embellecidos, la abundante joyería y sus poses formales. Todos estos detalles han sido tomado prestados de los retratos del renacimiento italiano tardío de nobles españoles.

Además de estas influencias del renacimiento, el cuadro fusiona diversos movimientos pictóricos a través de sus elementos.En contraste con estas figuras femeninas, se encuentra una perspectiva totalmente plana con una falta absoluta de profundidad en la pintura y unos colores poco realistas que beben del fauvismo. Especialmente los tonos rosados de su piel recuerdan a los colores usados por algunos artistas de la abstracción semifigurativa. Los planos geométricos fracturados en los que se sitúan las hermanas tienen una naturaleza puramente cubista. De manera similar, la yuxtaposición de objetos algo extraña concuerda con las directrices del surrealismo.

Los ojos vizcos de las dos hermanas son un tema recurrente en las pinturas de John Graham, que utiliza ese recurso para otorgar algo de vida a las caras que representa.

Pese a ser un pintor algo desconocido para muchos aficionados al arte, John Graham fue un importante impulsor de la pintura moderna y del arte figurativo que sirvió como mentor a grandes artistas de la talla de Jackson Pollock o Willem de Kooning.

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Mujer VI – Willem de Kooning

kooning mujer

Mujer VI forma parte de una serie de pinturas abstractas, Mujer, obra de Willem de Kooning en 1953. La última pieza de esa serie es Mujer VI y se puede encontrar en el Museo de Arte Carnegie desde 1955. Esta pintura es un buen ejemplo de la transición del arte contemporáneo desde la pintura europea tradicional hacia el expresionismo abstracto. Mujer VI es una obra de arte irremplazable en la abstracción de posguerra por su forma abstracta, el trabajo y técnicas de pincel usados y porque todavía tiene la habilidad de evocar una interpretación diferente con cada vistazo que se da a la obra.

En Mujer VI, la figura de una mujer está de pie en el centro del cuadro ocupando dos tercios de la superficie de la pintura. Diversos elementos del expresionismo abstracto destacan en esta pintura, tales como la composición, el espacio, la línea y el color.

La combinación de figuras geométricas como triángulos, cuadrados y círculos consigue construir una figura femenina con gran poder dramático. La cabeza incluye dos círculos como ojos. El cuerpo está formado por formas irregulares en  pecho y brazos que además están divididos en dos partes. La mujer no presenta manos o pies y de hecho la pintura acaba a la altura de las rodillas. Las figuras geométricas también forman el fondo y consiguen generar una tensión de oposición y armonía que producen una sensación de equilibrio en Mujer VI.

No es una composición simétrica, pero a pesar de eso todo parece balanceado. La figura principal está situada en el eje vertical mientras que el eje horizontal atraviesa su abdomen. Destaca la bidimensionalidad del cuadro ya que no hay sensación de profundidad y toda la pintura es en la superficie.

La innovación en las pinceladas hizo que Mujer VI destacara sobre los otros cuadros de la serie. Además, el efecto de los materiales, que son óleo en lienzo, muestra  el largo tiempo de producción de la obra.  Mujer VI es una pintura a gran escala y el óleo permite al artista tener más tiempo para acabarlo debido a su lento tiempo de secado.

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Tres mujeres – Fernand Leger

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Tres mujeres de Fernand Leger fue pintado en 1921. La pintura muestra tres mujeres desnudas con ciertos detalles de sus cuerpos aumentados y en una habitación muy decorativa y organizada. El pintor da a las mujeres retratadas una forma similar a máquinas para representar cómo la vida se puede volver simplística y no-emocional como un robot.

Durante la Primera Guerra Mundial Fernand Leger quiso hacer su arte más accesible a las clases trabajadoras. La transición fue conocida como su periodo mecánico que se concentró en la industrializacioón. Algunos describen este periodo del pintor como la representación de la belleza de la vida urbana retratando humanos como figuras geométricas y mecanizadas integradas con los igualmente geométricos y mecanizados ambientes.

Los objetos más destacables de Tres mujeres son, evidentemente, las tres protagonistas que aparecen tomando una bebida caliente. Las dos que están estiradas son grises y la que está sentada en marrón. Los objetos y diseños que rodean a las mujeres tienen un patrón vertical. El pintor no remarca el contorno de los objetos, pero usa las sombras para ayudar a definir las curvaturas de la mesa, el sofá y las partes del cuerpo de las mujeres.  Los cuerpos de las mujeres tienen una apariencia rígida y sus pieles son muy claras. Además, destacan las hinchadas piernas y brazos que parecen distorsionados en comparación con sus caras. Probablemente este hecho es para brindarles una figura más masculina y representarlas como no bellas para evitar que sus cuerpos centren la atención en detrimento de sus caras y del fondo. Las caras de Tres Mujeres destacan porque no muestran ninguna emoción mientras beben el té y café en su apartamento.

El uso de estas mujeres no emocionales sirve para describir la nueva innovación basada en máquinas y cómo éstas no son capaces de expresar sentimientos, mientras que en la pintura los objetos adquieren gran importancia por sus detalles. Los colores de estos son vibrantes y de todo tipo de diseños y representan el nuevo estilo de vida.

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