Ubu imperator – Max Ernst

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Ubu imperator es una obra pintada por Max Ernst en 1923.  A pesar de su tamaño relativamente pequeño, 100 x 81 cm, el lienzo fácilmente golpea al espectador con la pregunta de cuál es el significado de la obra. En el centro de la misma hay una figura con forma de torre y con sus manos hacia arriba. Lo que sorprende es que aunque la torre está inclinada, la base de la misma está recta e inmóvil. El autor podría estar representando en Ubu imperator que la igualdad puede ser un resultado de la desigualdad misma. La parte superior de la torre está inclinada como la Torre de Pisa en Italia, lo que podría dar un significado a la misma de antigüedad y construida  sin planificación. También puede recordar a la Torre de Babel, mencionada en el Libro del Génesis y que fue reconstruida en la era babilónica después de la Gran Inundación.

Siguiendo esta conexión con la Torre de Babel y la Gran Inundación, la parte inferior del fondo de Ubu imperator es un desierto totalmente seco, lo que se puede considerar una contraposición a una inundación. Este desierto puede aportar significado de condiciones adversas para la vida y las barreras entre la amabilidad de la gente hacia los demás. Fijado boca abajo en el desierto encontramos un gancho y aunque parece no estar profundamente incrustado, el gancho permanece recto y estable contra la gravedad. Otros dos ganchos se desvanecen hacia un punto fijado en la parte izquierda del horizonte.

En el primer plano de Ubu imperator, en la torre, se pueden ver dos manos con las palmas dirigidas hacia el cuerpo de la torre.  Ambas están pintadas de una forma que recuerda a una forma de plegaria abierta, casi imitando a Jesús en varias pinturas medievales y del renacimiento. La torre puede tener carácter religioso y el autor podría estar enseñando la gran fuerza que ha tenido la Iglesia Católica en la historia. La inclinación de la torre hacia el cielo podría ser otra indicación de que se dirige hacia su creador para que la salve de las dificultades del desierto que la envuelve.

Enrollado alrededor de la torre con la forma de una bufanda, se encuentra algún tipo de tela verde. Apenas colgando de la torre, la bufanda podría representar la naturaleza y su necesidad en el mundo en el que vivimos. Con la bufanda a punto de caer a la tierra árida se evoca la capacidad que podemos tener de perder el contacto con la naturaleza y en una perspectiva contraria se podría ver a la torre como el guardián que mantiene la naturaleza.

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Autorretrato con collar de espinas – Frida Kahlo

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Autorretrato con collar de espinas es una obra de Frida Kahlo pintada en 1940 donde aparece ella misma en pose frontal con una corona de Cristo desenmarañada y llevada como un collar, representándose a sí misma como una mártir cristiana. Las espinas adentrándose en su cuello y provocándole un sangrado son el símbolo de la pena que ella sufre debido a su divorcio con Diego Rivera. La expresión de la artista en el cuadro es de calma y solemnidad, mostrando que es capaz de soportar la pena sin alterarse.

Colgando desde el collar espinoso hay un colibrí cuyas alas desplegadas recuerdan a las cejas unidas de Frida. En la tradición mexicana, los colibrís son usados como amuletos que traen suerte en el amor. Además, normalmente están relacionados con la libertad y la vida debido a sus colores y que siempre están merodeando sobre flores. Sin embargo, en este cuadro el colibrí es negro y sin vida, pudiendo ser una metáfora del estado de la autora o usado como alegoría a una posible recuperación y a sus propios deseos de conseguir una mejor suerte después de su divorcio.

Sobre su hombro izquierdo se sitúa un gato negro, símbolo de mala suerte y de muerte que parece a la espera de atacar al colibrí. Sobre su hombro derecho está su mono mascota, símbolo del demonio y un regalo de su exmarido Diego. Es este mono, además, el que parece estar confeccionando el collar de espinas y consecuentemente la causa de la pena de Frida.  Alrededor de su pelo las mariposas simbolizan la resurrección. En el fondo, como es habitual en varias de sus pinturas, aparece un muro de grandes hojas de plantas tropicales.

Autorretrato con collar de espinas es un gran ejemplo del gran simbolismo usado por Frida Kahlo en muchas de sus obras, donde ella no está representando una escena real sino usando estos elementos simbólicos para expresar sus sentimientos.

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No.5, 1948 – Jackson Pollock

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No.5, 1948 es una pintura de Jackson Pollock, un pintor americano conocido por sus contribuciones al movimiento del expresionismo abstracto.

La pintura fue creada sobre conglomerado con un tamaño de 240×120 cm. La pintura usada para No.5, 1948 es pintura líquida, más concretamente pintura de resina sintética (esmalte acrílico), pero normalmente es referida como pintura al óleo para la clasificación de la obra. Los colores usados son gris, marrón, blanco y amarillo salpicados de una manera que recuerda a un denso nido de pájaro y que inspira diferentes emociones en los espectadores de la pintura. El uso de “action painting”, el goteo espontáneo, manchado y lanzamiento de la pintura son los estilos usados en esta creación, que junto con su complejidad y dedicación han llevado esta obra a la cumbre del arte moderno.

No.5, 1948 supuso una gran nueva influencia en el expresionismo abstracto y el artista dio un paso más dentro de este movimiento, dando simplemente un número a la obra en lugar de un nombre como es habitual. Fue capaz de crear nuevas sensaciones en los espectadores de su arte ya que su intención era que la gente se fijara en la pintura y sintieran lo que la obra les evocaba. Con sus métodos poco convencionales, además fue capaz de influir en otros artistas de la época para que dejaran atrás las técnicas habituales del momento y dieran el salto fuera de los límites establecidos.

No.5, 1948 es una de las pinturas más caras de la historia, ya que fue vendida en 2006 por 140 millones de dólares. Además, se sospecha que su valor va a ir incrementando a lo largo del tiempo ya que las obras de Jackson Pollock son cada vez más escasas.

Sin embargo, este trabajo y otros del artista no siempre han recibido buenas críticas, ya que algunos expertos lo catalogaban como caos, ausencia absoluta de armonía, falta de estructuración y técnica rudimentaria.

Y a ti, ¿qué te parece?

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Las señoritas de aviñón – Pablo Picasso

las señoritas de aviñón

Las señoritas de Aviñón es una pintura al óleo de Pablo Picasso pintada en 1907. La obra retrata a cinco prostitutas desnudas en un burdel de una calle de Barcelona. Cada una de ellas está pintada de una forma confrontacional y desconcertante sin ser ninguna de ellas típicamente femenina. Las tres mujeres de la izquierda presentan tratos faciales del típico estilo ibérico de Picasso, mientras que las dos de la derecha tienen una faz similar a máscaras africanas.

Muchas veces se considera Las señoritas de Aviñón como el primer cuadro cubista, aunque algunos expertos lo consideran una exageración; el estilo de la pintura no se puede considerar todavía cubista, de hecho incluye elementos expresionistas contrarios al cubismo, aunque sí es acertado tomarlo como su punto de partida.

Probablemente debido a la cantidad de arte provocativo que existe en la actualidad es difícil valorar correctamente la brutalidad que supuso Las señoritas de Aviñón en su momento. El hecho de pintar mujeres sin ningún tipo de encanto o tristeza, sin ironía o crítica social, simplemente como si fueran los troncos de una empalizada. Igualmente, el método de pintura y el desencajamiento de las figuras apuntan simpleza y agresividad emocional sin preocuparse de la estética.

Las influencias de esta obra han sido ampliamente estudiadas. Por un lado, El Greco era uno de los artistas más admirados por Picasso en la época en que pintó Las señoritas de Aviñón. Concretamente, el cuadro Visión del Apocalipsis le sirvió de inspiración para el tamaño, forma y composición de esta obra. También Paul Gauguin y Paul Cézanne influyeron en Picasso a la hora del nacimiento del cubismo, especialmente en 1906 y 1907. Las exploraciones en la simplificación geométrica de Cézanne y el interés por el primitivismo y el arte africano de Gauguin fueron clave para la creación de Las señoritas de Aviñón.

Aunque la obra ha tenido una enorme y profunda influencia en el arte moderno, este impacto no fue inmediato ya que la pintura estuvo durante muchos años en el estudio de Picasso. Al principio sólo su círculo de amigos y artistas más cercanos eran conscientes de su existencia y las opiniones al respecto eran muy variadas, algunos se mostraban sorprendidos y disgustados mientras que otros estuvieron entusiasmados. Las señoritas de Aviñón fue exhibida por primera vez en 1916 y reconocida como un logro revolucionario alrededor de 1920.

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El Guernica y la República

El Guernica de Picasso destaca por muchas cosas y aparte de su valor artístico, es una de las obras de arte moderno de la que se pueden hacer  más interpretaciones. Siempre se le ha dado una connotación política y reivindicativa respecto a la guerra, aunque nunca ha quedado claro. A esto siempre ha ayudado el hecho de que el propio artista nunca haya sido muy explícito en lo que el cuadro significaba. Probablemente los elementos individuales del cuadro quedarán sin descifrar después de la muerte del artista, pero hay algunos elementos que han tenido una interpretación bastante polémica y aquí vamos a discutir la interpretación que se ha hecho de uno de ellos: la mujer del quinqué como representación de la República.

Picasso y la política

Antes de que cunda el pánico, vamos a intentar situar el contexto para ver de dónde sale esa idea. Para empezar, está claro Picasso tenía unas ideas políticas bastante definidas en la época en la que pintó el Guernica. Por un lado, el cuadro fue solicitado en 1937 por el gobierno de Juan Negrín, último presidente de la II República. Y aunque el artista al principio no estaba dispuesto a usar sus obras con fines propagandísticos, finalmente accedió a ello. Ese mismo año Picasso había realizado su obra “Sueños y mentiras de Franco”, que eran dos grabados similares a cómics donde caricaturizaba al general Franco y denunciaba su golpe de Estado.

Además de esto, hay varios acontecimientos durante la vida del artista que confirman las ideas políticas de Picasso. Por un lado, unas declaraciones del propio artista mientras pintaba el Guernica donde dijo “En mis obras recientes expreso mi execración de la casta que ha hundido a España en un océano de dolor y de muerte” haciendo referencia al golpe de Estado y a la consecuente guerra. En otra ocasión, estando en París, unos agentes alemanes interesados en el Guernica le preguntaron: “¿Lo hizo usted?”, a lo que él contestó: “No…usted.” En algunos bocetos del Guernica aparecen, además, algunos símbolos políticos como la hoz y el martillo que luego serían desechados para la obra final.

Guernica y República y Guernika

Poco después de la creación del cuadro y una vez finalizada la Exposición Internacional de 1937 para el cual había sido encargado el Guernica, la obra viajó a los Estados Unidos y se instaló en el MoMa en 1942. En los años 60 Franco inició los trámites para que volviera la obra a España, pero el propio pintor se negaba a ello y años más tarde, escribió directamente al museo pidiendo que no se devolviera el cuadro hasta que se reinstauraran las libertades públicas. Esto acompañado con su frase “El Guernica solamente volverá a España con la República” dejaban clara la postura del pintor frente a la dictadura.

El Guernica y la república

Teniendo en cuenta todos estos datos, queda claro que Picasso era democrático y pacifista; como hasta el momento la mayor forma de democracia se había visto durante la II República, no es de extrañar que la defendiera. Y entonces desde aquí, ¿cómo se puede llegar a decir que la mujer del quinqué representa a la República? En primer lugar hay que analizar la luz de la obra. Se contraponen dos elementos muy cercanos pero muy diferentes, por un lado la bombilla o luz artificial y el quinqué o la vela que lleva la mujer. De estos dos elementos el único que ilumina realmente es el segundo, ya que la bombilla aunque parece brillar no aporta luz a las figuras del cuadro. Además, esta luz ocupa la parte principal del cuadro, siendo el vértice superior del triángulo central. Se puede decir que esta luz, o la República, es la única que puede iluminar el camino de la gente que ha sufrido los estragos de la guerra.

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